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"Jean Baudrillard was here" Jean Baudrillard était là

Alia Farid, Jean Baudrillard, Criticalsecret editorialist — 2013-09-23T01:15:00Z

____/ Le 6 mars 2007 Jean Baudrillard quittait le monde. Sa mort est partout sa mort rêve.

Jean Baudrillard left the world on March 6 of 2007. His death is everywhere his death dreams.

IMG/mp3/suicide_moi__jean_baudrillard_the_band_of_the_chance_festival_at_whiskey_pete_s_casino_of_stateline_nevada_california_border_1996.mp3

Cliquer sur l'icône Clck the icon

JEAN BAUDRILLARD WAS HERE Phrase written on the face of an abandoned military bunker in Bnaider, Kuwait. 2010, August.

JEAN BAUDRILLARD ÉTAIT ICI Graffiti sur un bunker militaire désaffecté à Bnaier, au Koweït (Installation, août 2010.

Thanks - Rermerciements :
Permission - Courtesy © Alia Farid

Source du portrait en logo : An A to Z of Theory | Jean Baudrillard : The Code, April 27, 2012 ; serial of essays In Theory, Ceasefire.

Voir en ligne : Mohamed Kacimi, Syrie / La guerre en replay

Si vous cliquez sur le bouton audio en haut de l'article, vous entendrez Suicide moi pendant que vous découvrirez la page. Performance de Jean Baudrillard, d'après Motel Suicide — dont il signa les paroles pour Megumi Satsu en 1984 (LP et Vinyl Silicone Lady). Avec un orchestre Punk inédit composé de Tom Watson, Mike Kelley, George Hurley, Lynn Johnston, Dave Muller et Amy Stoll, invitée spéciale la chanteuse Allucquère Rosanne Stone. Chris Kraus, Sylvère Lotringer [éditions Semiotext(e)] étaient les commissaires de cet événement, qui eut lieu au mois de novembre 1996, dans le cadre du Chance Festival au casino de Pete Whiskey à Stateline (lieu dit de la zone frontalière entre le Nevada et la Californie à l'est du lac Tahoe), États-Unis. Vous pouvez télécharger le mp3 de ce document sonore, en cliquant sur l'icône en bas de la page.

Source Erik Diego @ Soundcloud, d'après Ubuweb Sound.

If you click on the audio push-button at the header you will hear « Suicide moi » while discovering the page. Performance by Jean Baudrillard according to Motel Suicide - lyrics that he specially has signed in 1984 for the singer Megumi Satsu (LP + Vinyl "Silicone Lady"). Quote : Unbelievable but true ! Baudrillard recites his poetry backed up by an all star band featuring Tom Watson, Mike Kelley, George Hurley, Lynn Johnston, Dave Muller and Amy Stoll, special guest vocalist Allucquère Rosanne Stone. Recorded live as part of the Chance Festival at Whiskey Pete's Casino in Stateline Nevada, 1996. You've never heard Baudrillard like this before ! Music to read Nietzsche to. . You can download the attached mp3 by clicking the icon at the footer.

Quelques Liens - Some Links


Suicide-moi - Jean Baudrillard @ Whiskey Pete's Casino Stateline - the California/Nevada Border (1996): Source www.eyewithwings.net
Jean Baudrillard Pataphysics

Alan Shapiro, Whiskey Pete's Casino at the California/Nevada Border (2011).

In memoriam

k-punk, ‘My death is everywhere, my death dreams' ; March 09, 2007.

L'article nécrologique publié dans le Nouvel Observateur numérique le soir même de la mort de l'auteur, Le philosophe Jean Baudrillard est mort (6 mars 2007, à 19 h).

La page de Jean Baudrillard dans le site englishscholar.com

Baudrillard in Stanford Encyclopedia of Philosophy

Dans le site de MIT Press, une liste des ouvrages de référence universitaire de Jean Baudrillard traduits en anglais.

La page Welcome to the world of Jean Baudrillard dans le site de l'université d'État de la Californie Northridge.

Tribute to Baudrillard dans le site de Semiotext(e).

Entretien avec Jean Baudrillard (revue Dérive, mai 1977) - Rien ne te soit inconnu, le blog de Guy Darol.

Paradox Funeral, l'enterrement de Jean Baudrillard n'a pas eu lieu - La revue des ressources (2007, 2009).

La page dédiée à Jean Baudrillard dans www.criticalsecret.com est actualisée chaque année depuis 2007 ; loin d'être exhaustive elle présente néanmoins une recension assez large de liens.

Coolmemories - l'association des amis de Jean Baudrillard.

Sur une cinématique de lumière-temps dans la peinture de Christina McPhee / On Cinematic Timelight in Christina McPhee's Painting

2013-06-19T23:39:19Z

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« Un hangar mis en cube » — Shed Cubed
Synopsis

« Un hangar mis en cube » trace le mouvement héliotropique de dessins à travers le passage quotidien de la lumière diurne et de l'obscurité au long d'une période de dix huit mois dans un intérieur austère aux murs blancs et au sol de béton. Les dessins « se déversent dans le hangar ». Les dessins s'accumulent, se re-matérialisent et fusionnent dans l'espace du hangar... aspects de la performance en réapparitions sous-jacentes (pentimenti) de l'action du dessin, évanescence (sfumato) du laps de temps, clair obscur (chiarascuro) du montage... Proposition d'une œuvre d'installation de la matérialité en reflet dans la vidéo comme support de dessin, et, dans son montage et l'atmosphère, de l'obsession de la trace et de la présence. Le tournage se concentre sur les dessins eux-mêmes et l'effet de la lumière transversale, tandis que le soleil se déplace dans l'espace depuis le début de la matinée... La caméra vidéo capture les changements lents de la lumière et de l'évolution rapide du dessin. Dans la post-production, le format des enregistrements vidéo se transforme en longue bande — séquençage et effet de série, — plutôt qu'en rectangle typique de l'écran. La vidéo est comprimée jusqu'à une limite de 900 pour cent. Le hangar expose les dessins comme un processus d'écriture, qui s'énonce ligne après ligne dans les accumulations, les refrains, les souvenirs et les récurrences. Suivant les dessins, le montage vidéo fait couler le temps par couches, en profusion de moments... L'installation récapitule le hangar.

Source http://www.christinamcphee.net/shed-cubed/

Ce sont 4 vidéos dans une installation — une installation à 4 canaux.

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SHED CUBED : synopsis

During a period of eighteen months, SHED CUBED traces the heliotropic movement of drawings across diurnal passages of light and darkness in an austere interior of concrete floors and white walls. SHED is ‘shedding' drawings. The drawings accumulate, re-materialize, and melt away in the space of the shed ... pentimenti and performance aspects of the action of drawing, the sfumato of time-lapse, the chiarascuro of montage ... As an installation work reflects on the materiality of video as a drawing medium and, in its montage and atmosphere, an obsession with trace and presence. The filming focusses on the drawings themselves and the effect of transverse light, as the sunlight moves through the space from early morning onwards... The video footage captures the slow changes of the light and the rapid changes of the drawing. In post production, the video format becomes a long strip, rather than the typical rectangle—a sequencing and serial effect. The footage is compressed up to a limit of 900 percent. The shed exposes the drawings as a writing process, that iterates line after line in accumulations, refrains, recollections and recursions. Following the drawings, the video montage sheds time in layers, in a profusion of moments ... the installation recapitulates the shed.

Source http://www.christinamcphee.net/shed-cubed/

There are 4 videos in one installation — it is a 4 channel installation. [ ↑ ]

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« Un hangar mis en cube » — Shed Cubed — de Christina McPhee tient les visiteurs de cette exposition parmi quatre écrans d'images vidéo désaturées, en bas contrastes et en temps compressé, qui décrivent les murs de son espace de travail. Les murs représentés en vidéo, dans le hangar de Christina McPhee utilisé comme un studio, arborent des feuilles de papier sur lesquelles elle desine le contour des reflets de la lumière venue des fenêtres. Visuellement, l'illumination ténue et douce des vidéos et le contenu désordonné, intime mais pourtant impersonnel, des images, suggèrent la sensation d'un espace d'installation protégé et légèrement à part du monde. La beauté haptique [1] du « hangar mis en cube » vient de l'architecture contrapuntique des images qui saisissent les visiteurs du spectacle dans un espace physique et son contenu qui se disperse — paradoxe subtil entre les forces centripètes et centrifuges qui convergent chez les spectateurs [2].

Bien que l'installation vidéo montre McPhee en train de dessiner, on ne peut l'observer comme si c'était le film d' « une visite de studio » prenant l'aspect d'une installation vidéo. Dans de tels films et en général dans les documentaires sur les artistes, la séquence de l'artiste fait fonction de quelque chose expliquant un travail artistique extérieur au film auquel on est en train d'assister — un travail plus important, qui serait l'œuvre d'art elle-même, anticipée. « Un hangar mis en cube » ne peut pas être considéré comme la documentation d'une performance de dessin. Bien que les dessins re-présentés dans « Un hangar mis en cube » puissent être des œuvres abouties, « Un hangar mis en cube » suspend leur autonomie respective en les enfermant dans sa propre indépendance esthétique. « Un hangar mis en cube » réorganise les faits marquants au sein d'une œuvre d'art qui a son intégrité propre et ne peut pas être interprétée comme secondaire par rapport à l'œuvre de McPhee dans d'autres médias. Le nom « hangar » ou « abri », ou encore « remise », s'écrit « shed » en américain, où l'on peut également l'entendre comme un verbe [3]. À la lumière du cas verbal le mot suggère soit un processus du largage des amarres ou bien une exfoliation, ou encore une constriction dans une carapace. En absorbant l'autonomie des créations qu'il re-présente dans son œuvre, « Un hangar mis en cube » élabore une confrontation aux frontières de la sphère privée de la reproduction sociale et de la sphère publique de l'échange.

Les laps de temps et la superposition des matériaux de la composition portent chaque moment de la production esthétique à s'imposer en tant que renvoi dans le suivant. Le dessin de chaque ligne par McPhee ne s'impose comme un geste que jusqu'à la perte de son intégrité au moment où les compositions des dessins deviennent fortement manifestes. La performance de chaque geste est englobée en « faire-signe » [4] de chaque dessin. Les dessins, à leur tour, deviennent des éléments dans la composition de la vidéo, qui devient un élément de composition dans l'architecture de l'installation. Les dessins au travail de McPhee dans les vidéos peuvent se constituer en œuvres finies, mais dans le « hangar mis en cube » ils fonctionnent comme des matériaux de la composition. En re-présentant ses dessins non comme des œuvres, mais comme un travail dans et sur des conditions matérielles spécifiques, McPhee est en mesure de distancier l'installation « Un hangar mis en cube » par rapport aux relations de marché de la consommation de l'art et donc de penser la relation entre les conditions de sa pratique et la demande de capital qui résulte d'un produit destiné à un marché [5].

En suspendant les images des dessins en cours dans le temps compressé des vidéos, « Un hangar mis en cube » souligne une incrustation du processus en tant qu'autonomie esthétique dans le site impliqué par la refonte du hangar comme cube — au sein du « cube blanc » [6] de l'affichage et de l'échange du spectacle de l'art contemporain. Dans le report du moment de l'échange, l'installation met en activité des potentiels pour articuler et résister à la subsomption capitaliste — qui absorbe les compétences singulières afin de créer un marché de ready-mades. L'image-temps [7] d' « Un hangar mis en cube » est faite de séquences compressées qui résistent à être interprétées en document de ou pour une production déterminée par le marché. McPhee critique le « cube blanc » en encartant radicalement un processus chronotopique [8] dans un espace d'échange. L'installation résiste au moment de l'échange [9] par le temps différé, la récurrence, et l'assertion d'une pratique talentueuse.

« Un hangar mis en cube » élabore un idiome situé par rapport à la longue histoire du dessin comme pratique qualifiée. Benjamin HD Buchloh [10] représente la pratique du dessin de Raymond Pettibon [11] comme une affirmation de la compétence afin de « sauver en tant que pratique de la contre mémoire, dans les conditions d'extinction systématique sous la rationalité techno-scientifique et la culture de spectacle, les espaces mnémoniques du langage et de la représentation visuelle » … [qui a lieu] « précisément dans ces sites sociaux où la résistance contre la domination techno-scientifique et les résultats de ses ravages les plus avancés sont les plus évidents. ». Si l'on extrapole l'argument de Buchloh, on pourrait radicaliser sa forme en la tournant un peu contre lui-même vers une critique de la déqualification : l'expression d'une marque habile résiste à la matrice de la production de l'art contemporain — qui tente d'englober la trace de l'habileté en la rendant impossible. McPhee affirme ses compétences sur et contre leur subsomption. La puissance et la beauté d' « Un hangar mis en cube » découle de l'affirmation de la compétence de McPhee pour marquer l'espace-temps de telles limites — pour articuler leur chronotope [12]. Quand McPhee ressaisit la ligne du soleil sur les murs du hangar, elle capte un indice de temps originaire, un cadran solaire d'avant les cadrans solaires : elle dessine le temps qui passe dans le site problématique du « faire-signe » en tant que production culturelle. Les marques à la main du passage du temps faites par McPhee rapprochent de la réalisation du rêve cinématique de l'enregistrement du temps pur sans événement ni objet. Elle a inventé une image du déplacement [13] propre au dessin.

Louis-Georges Schwartz
Traduction criticalsecret (A. G-C.)

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C hristina McPhee's Shed Cubed holds gallery goers amidst four screens of desaturated, low-contrast, time-compressed video images depicting the walls of her workspace. The walls in the video, inside the shed McPhee uses as a studio, have sheets of paper tacked on them upon which she draws the contour of the light reflected from the windows. Visually, the video's dim, soft illumination and the messy, intimate, yet impersonal content of the images make the installation space feel protected and slightly apart from the world. Shed Cubed's haptic beauty¹ [14] comes from its counter-punctual architecture of images which hold viewers in the space bodily, and content which spills away—a subtle contradiction between centripetal and centrifugal forces converging on the viewers² [15].

Although the video installation depicts McPhee in the act of drawing, one cannot watch it as if it were a “studio visit” film that happens to take the form of a video installation. In such films, and in documentaries about artists in general, footage of the artist making something functions to explain a work outside the film one is watching—a more important, more primary work of art. Shed Cubed cannot be seen as documentation of a drawing performance. While the drawings re-presented in Shed Cubed may have become finished works, Shed Cubed suspends their independence by enclosing them within its own aesthetic autonomy. Shed Cubed re-stages mark making within an artwork that has its own integrity and cannot be construed as secondary to McPhee's work in other media. The name “shed” when heard as a verb rather than a noun suggests a process of casting off or exfoliation or a constricting carapace. By absorbing the autonomy of the works it re-presents as work, Shed Cubed gives form to a confrontation with the limit between the private sphere of social reproduction and the public sphere of exchange.

Shed Cubed's time-lapse and layering of compositional materials make each moment of aesthetic production assert itself in order to be suspended in the next. McPhee's drawing of each line asserts itself as a gesture only to loose its integrity as the drawings' compositions become strongly manifest. The performance of each gestures gets subsumed as the ma(r)king of each drawing. The drawings, in turn, become elements in the composition of the video, which becomes a compositional element in the architecture of the installation. The drawings McPhee works on in the videos may become finished works, but in Shed Cubed they function as compositional materials ... By re-presenting her drawings, not as works, but as work in and on specific material conditions, McPhee is able to distance Shed Cubed from the market relations of art consumption and thus to think the relationship between the conditions of her practice and capital's demand that it result in a product destined for a market³ [16].

Suspending the images of drawings in process through time-compressed video, Shed Cubed insists on an insertion of process as aesthetic autonomy within the implied site of the shed's recasting as a cube within the ‘white cube'⁴ [17] of contemporary art spectacle, display and exchange. As deferral of the moment of exchange, the installation activates potentials for articulating and resisting capitalist subsumption, which absorbs skill in order to create a market for ready-mades. The time-image⁵ [18] of Shed Cubed is made of compressed footage that resists interpretation as a document of or for market-driven production. McPhee critiques the white cube by radically inserting a chronotopic process⁶ [19]. Here extended to aspects of space and time rather than within the language of a story, rather, in the visual composition, understood as a story to heterogeneous components, heterotopic, anachronistic, and inextricably integrated into the dynamic architecture of Shed Cubed. Shed Cubed becomes a system of equivalences and exchange among its temporal, compressed data and coordinates, its visual, spatial, material and immaterial dynamics) : it is, by consequence, a spatial critique of exchange between processes of production en lieu of the white cube.]] into a space of exchange⁷ [20]. The installation resists the moment of exchange by delay, deferral, and the assertion of skilled practice.

Shed Cubed elaborates an idiom situated in relation to the longer history of drawing as a skilled practice. Benjamin H. D. Buchloh⁸ [21] accounts for Raymond Pettibon's drawing practice⁹ [22] as an assertion of skill in order “to rescue as a practice of counter memory the mnemonic spaces of language and visual representation under the conditions of their systematic extinction by techno-scientific rationality and spectacle culture ... [taking place] at precisely those social sites where the resistance against techno-scientific rule and the results of its most advanced devastation are the most evident.” Extrapolating Buchloh's argument, one might radicalize its form and turn it a bit against itself and towards a critique of deskilling : an expression of skilled mark-making resists the matrix of contemporary art production, which attempts to subsume skilled mark making and render it impossible. McPhee asserts her skill over and against its subsumption. The power and beauty of Shed Cubed arises from McPhee's assertion of skill to mark the space-time of those limits—to articulate their chronotope¹⁰ [23]. When McPhee traces the sun's line on the shed walls, she captures an originary index of time, the sundial before sundials : she draws time passing in the problematic site of ma(r)king as cultural production. McPhee's hand-made marks of time's passing come close realizing the cinematic dream of a recording of pure time without event or object. She has invented a moving-image¹¹ [24] proper to drawing.

Louis-Georges Schwartz

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Épilogue / Epilog

SHED cubed / video installation (excerpt) from Christina McPhee on Vimeo.

« Un hangar mis en cube » — Shed Cubed — trace le mouvement héliotropique de dessins à travers les passages quotidiens de la lumière diurne et de l'obscurité dans un intérieur austère au sol en béton et aux murs blancs. Dix-huit mois de dessins sont condensés en quatre chaînes HD de 24 minutes, avec deux canaux de son ambiant comprimé. Proposition d'une œuvre d'installation de la matérialité en reflet dans la vidéo comme support de dessin. Le « Hangar mis en cube » « déverse » des dessins.
Première de l'installation : Krowswork, Oakland, Californie, Septembre-Octobre 2012. Organisée par Jasmine Moorhead.

SHED CUBED traces the heliotropic movement of drawings across diurnal passages of light and darkness in an austere interior of concrete floors and white walls. Eighteen months of drawing is condensed into four 24 minute HD channels, with two channels of ambient compressed sound. As an installation work reflects on the materiality of video as a drawing medium. SHED CUBED is ‘shedding' drawings.
Premiere installation : Krowswork, Oakland, California, September-October 2012. Curated by Jasmine Moorhead.

[1] qualifie une sensation cutanée ou relative au toucher et plus largement les interfaces qui convoquent ces sensations.

[2] En France, André Bazin, critique et théoricien du cinéma, qui fut à l'origine de la revue Les Cahiers du Cinéma, et qui inspira la critique à l'origine de la Nouvelle vague, a opposé ainsi le champ du cinéma (centrifuge) et celui du théâtre ou de la peinture (centripètes). Concernant le cinéma, si le cadre est centripète, pour autant il se déplacerait avec le sujet (soit dans un changement d'axe soit dans un re-cadrage, soit enfin du fait du déplacement du sujet dans un cadre restant fixe), ce qui définirait par conséquent un écran « centrifuge ». Il s'agit autant de concepts techniques des propriétés physiques respectives de chaque discipline, que du système d'interprétation de l'espace et du temps par le spectateur dans chaque cas. Au-delà, il s'agit aussi du système de sens, plutôt consensuellement symbolique au théâtre, et plutôt social ou individuellement projectif au cinéma — du fait du naturalisme de l'espace-temps procédant du mouvement, interprétés selon l'expérience ou la culture sociale et les désirs du spectateur. D'où la citation de André Bazin par Jean-Luc Godard en exergue de son film Le Mépris : « Le cinéma substitue à notre regard un monde qui s'accorde à nos désirs ». Pour s'informer à la source (sans doute ressaisie dans plusieurs ouvrages d'autres auteurs dans d'autres langues), voir André Bazin, Qu'est-ce que le cinéma ?, recueil de 64 articles de 1958 à 1962, publiés en série de 4 volumes dans la coll. 7e Art, éd. du Cerf, (Paris) ; l'ensemble a été re-publié édulcoré en un seul volume de 27 articles, plusieurs fois re-édité chez le même éditeur depuis 1969 –- et dans cette édition lire particulièrement les chap. 10 : Théâtre et cinéma, et 12 : Cinéma et peinture. (Voir dans le site : dvtoile.com la table des matières des 27 articles qui composent la réédition). Citons aussi les deux ouvrages sensibles de Gilles Deleuze sur le sujet qui pourraient avoir convoqué l'attention artistique de Christina McPhee, L'image-mouvement. Cinéma 1, (éd. de Minuit, coll. Critique, Paris, 1983), et L'image-temps. Cinéma 2, (éd. de Minuit, coll. Critique, Paris, 1985), mais sans les situer par rapport au point de vue cinématographique exposé dans l'article de Louis-Georges Schwartz, car les hypothèses du philosophe contiennent des points contradictoires avec la théorie de Bazin — qui paraît plus adéquate pour comprendre sinon les intentions de l'artiste du moins celles de l'auteur critique convoqué par l'installation — et qu'il conviendrait donc d'explorer davantage. Mais notons entre autre que l'ellipse, qui est la figure de rhétorique structurante articulant la syntaxe visuelle et sonore du récit cinématographique, dès l'écriture du découpage en séquences et en plans — le découpage étant le premier stade technique du scénario comme structure de toutes les composantes du tournage, — figure à la fois pour mémoire de l'absence (de tout ce qui ne se montre ni ne s'entend — ou autrement que cela ne se produit à l'évidence), en même temps que constructive de ce qui existe par omission (que ce soit dans l'intention du réalisateur ou dans l'imaginaire du spectateur), figure du « désir filmique » (de la tension et des affinités ou antagonismes filmiques qui balancent les rythmes et les significations), et donc depuis le découpage, jusqu'aux cadres, au jeu des acteurs, à la lumière, aux dialogues, aux ambiances sonores, aux cuts, au montage (synthèse des composantes d'après le découpage en référence), au mixage, et jusqu'à la perception du film. Dans la dichotomie exhaustive proposée par Deleuze qui voit dans l'ellipse une porte ouverte sur l'imprécision, l'ellipse est radicalement non aperçue comme la figure rhétorique d'une syntaxe centrifuge, cadrée par une dialectique d'échanges concertés. Le diffus chez Deleuze n'est pas la diffusion mais la porte du sens philosphiquement indécidable, or la phénoménologie du cinéma qu'il propose dans ses ouvrages philosophiques sur le cinéma — inspirés par le cinéma, — il ne peut statuer que sur l'événement édifié par la preuve comme une vérité des faits clairement énoncés, pas sur l'obsolescence — et par conséquent pas sur le monde parallèle ouvert par les ellipses. Pourtant la poésie de Mallarmé nous a appris combien les ellipses pouvaient être définies. Or chez André Bazin la diffusion existe en tant qu'elle suppose une intention préalable dans les choix de la conception et par conséquent regarde le sens. C'est-à-dire que dans l'hypothèse dialectique minimaliste proposée par Bazin, l'ellipse est suggérée comme la clé rhétorique du langage cinématographique — c'est l'indication d'une dialogique en temps réel des activités et des composants divers pour et suscités par le cinéma.

[3] Cette phrase en français et la première proposition de la suivante ont été ajoutées par la traductrice afin de situer la polysémie anglophone.

[4] Dans le texte original le mot est ainsi orthographié : ma(r)king (le « r » de marquer — marking — étant mis entre parenthèses pour laisser la lecture du « faire » — making).

[5] Ici Louis-Georges Schwartz se situe dans une dialectique marxiste du marché de l'art, conformément au principe de l'échange de la valeur d'usage et de la valeur d'échange qui fonde le système d'équivalence entre toutes les formes de la valeur, notamment marchande, — où l'équivalent général est l'argent, — dans les systèmes de production et les rapports sociaux des sociétés capitalistes. Mais en même temps, poussant cette règle à son extrême, il assimile l'art au capital — comme une de ses formes (i.e. quand il associe l'œuvre d'art à la demande de capital, cadrée par le marché de l'art). Référence à une exception émergente d'une équivalence de l'art et de l'argent au-delà de la valeur financière étalonnée par l'or (avant le stade historique du capital financier), d'après une hypothèse critique de Charles Baudelaire sur la valeur de l'art, largement reprise depuis y compris concernant le capital financier lui-même. Suivant une montée hyperbolique de la valeur spéculative favorisée par la monétisation scripturale, le capital financier est finalement advenu hors du système de l'équivalence de la société de production (donc hors de ses pactes sociaux). L'art en tant que marchandise absolue est ainsi défini par Baudelaire qui la situe dans une sphère potentielle de la spéculation de la valeur d'échange jusqu'à l'extériorité du système de l'équivalence. C'est une base de la théorie critique postmoderne de la critique de l'économie politique et de son impact contre le dispositif humaniste des Lumières (souligné par Agamben depuis son ouvrage Stanze, notamment à propos de l'art et des images, et plus récemment sur le capital improfanable et les libertés dans Profanations, ainsi que par Baudrillard — sur l'abstraction et le système spéculatif des signes, depuis Le système des objets puis à travers les quatre ouvrages suivants inclus L'échange symbolique et la mort — voir sa bibliographie dans criticalsecret.com).

[6] Il s'agit de l'espace d'exposition conventionnel reproduit dans les galeries de l'art contemporain, ainsi nommé car aux parois blanches inclus le plafond — et éventuellement le sol — afin que l'ensemble se rapproche d'un espace cubique blanc, miroir de réflexion absolu des œuvres exposées — et dont les angles seraient éventuellement imperceptibles.

[7] Citation d'un des deux concepts des titres éponymes de Gilles Deleuze à propos du cinéma, éventuellement contradictoires avec la conception de l'espace cinématographique « centrifuge » intégral chez André Bazin (op. cit., voir note 1).

[8] Processus de localisation des temps différés dans la narration comme durée créative en littérature, (d'après une méthodologie en philologie historique pensée par le théoricien historien et philosophe de la littérature Mikhaïl Bakhtine, à propos de l'espace et du temps à la fois diachroniques et dialogiques en littérature particulièrement chez Dostoïevski, dont il est un spécialiste, tel qu'il en ressort des études du philosophe et linguiste Tzvetan Todorov). Terme étendu ici aux aspects de l'espace et du temps non plus dans la langue d'un récit, mais dans la composition visuelle entendue comme un récit aux composants hétérogènes, hétérotopiques, anachroniques, indissociablement intégrés dans le dispositif visuel dynamique « Un Hangar mis en cube » (un système d'échange en lui-même entre toutes ses données décalées et coordonnées — donc intégral : visuelles, spatiales, matérielles, immatérielles, temporelles, dynamiques), et par conséquent critique du principe de l'échange de l'œuvre en tant que production dans le système de l'art.

[9] ibid. (voir la note précédente).

[10] Benjamin H. D. Buchloh est un historien allemand de l'art qui enseigne au département d'Art Moderne de l'université de Harvard (MA). (Concernant sa bibliographie consulter wikipedia).

[11] Raymond Pettibon est un artiste américain notamment dessinateur aux multiples références graphiques historiques qui habite à New York (voir dans wikipedia) et qui vient précisément de co-signer un ouvrage avec son exégète Benjamin H. D. Buchloh Raymond Pettibon here is your irony back, paru le 1er juin 2013 chez l'éditeur allemand Steidl Verlag.

[12] Figure synthétique résultant d'une méthodologie descriptive des matériaux de temps et d'espace en jeu dans un récit. ibid. (Mikhaïl Bakhtine).

[13] ibid. (voir note 1).

FOOTNOTES (Translation)

[14] ¹ 'Haptic' refers to a malleable awareness or contact, a sense of skin relative to touch, and more broadly, to interfaces that concentrate such effects.

[15] ² French Editor's note : André Bazin, the French critic and film theorist, founder and editor of the magazine Cahiers du Cinema, inspired critique during the early years of the New Wave. Bazin contrasts the field of cinema as outward-bound (centrifugal) versus that of the theater or painting as inward-bound (centripetal). In the cinema shoot, insofar as the space viewed by the camera is centripetal (defined as a series of frames, or still pictures), still this frame-space is created by moves with the subject (whether by means of change of axis of the camera relative to the subject, and/or continuous re-framing, or even displacement of the subject in a still frame) ; the movement of the subject anticipates the frame-as-spatial condition. The screen wherein this moving frame-space displays a field of reception as a constantly outward-moving space—"centrifugal" such that potential time-spaces outside the filmed-space (frame) are always implied. Reception, as understood as the interpretation of space and time by the viewer, differs relative to the physical and technical supports for the framing conditions of the image. Overall, the frame device in painting, theatre, cinema generates different systems of sensibility and meaning—from the more consensually symbolic milieu of theater, to the more social or individual project in cinema. André Bazin's naturalism considers that onscreen space-time is generated from movement, and is interpreted within the frame of the experience or social culture and desires of the viewer. Jean-Luc Godard quotes Bazin in epigraph on his film Contempt : "The cinema substitutes for our gaze a world that matches our desires."
For information on sources, see : André Bazin (Author), Hugh Gray (Translator), Jean Renoir (Foreword by), Dudley Andrew (Foreword by), What Is Cinema ? Volume I, (University of California Press, 2004), note especially the chapters ‘Theatre and cinema' and ‘Cinema and painting' ; and : André Bazin (Author), Hugh Gray (Translator), Dudley Andrew (Foreword by), Francois Truffaut (Foreword by), What Is Cinema ? Volume II, (University of California Press, 2004). Citations are due also to the works of Gilles Deleuze on the subject of the field or spatial condition of cinema ; cited by Christina McPhee as of aesthetic interest (personal conversation with the author and editor)—including : Gilles Deleuze (translated by Hugh Tomlinson and Barbara Habberjam), Cinema 1. The Movement-Image, (University of Minnesota Press, 1986), and Gilles Deleuze (translated by Hugh Tomlinson and Robert Galeta), Cinema 2. The Time-Image, (University of Minnesota Press, 1989). It is the French editor's view that Louis-Georges Schwartz develops an argument regarding the cinematic image in Shed Cubed that invokes Bazin, apart from the artist's interest in Deleuzian positions ; the latter should be explored further.
Notably, the ellipse, or gap, which is a stylistic device for structuring sound and image syntax in cinematic narrative, anticipates the cut. The cut-up (decoupage) begins a technical development of scenario as an elliptical construction of structures of all the elements of the shoot. The cuts elide a memory of absence, for all that cannot be shown or heard, or cannot be produced as evidence, but constructing the sense. Decoupage develops continuity via omission (whether by the intent of the director or in the imagination of the spectator). The cut figures 'filmic desire' (the tension of affinities and antagonisms over against the play of signification and rhythm). From continuity editing, through individual frame edits, acting, light, dialogs, ambient sound, montage, the sound mix, and ultimately the reception of the film, for Deleuze the rhetorical sense of the screen ellipse is as a radically occluded, not-perceived, structural event, nor does it participate in a language of exchange. "Ellipsis ceases to be a partially disclosed situation : it belongs to the situation itself, and reality is lacunary as much as dispersive . . ." (Deleuze, Cinema 1 : The Movement Image, 207). In contrast, Bazin's minimalist dialectic concerns ellipsis as constructive figure of cinema by which the dialogic composition between the different concrete components are without borders relative to each other, that makes the cinematic narrative (syntax of active sense)—at his view.
Bakhtin (see note ⁶) developed a dialogic of space and time in Literature narrative. So following Bakhtin and Bazin one can say of multi-dialogic disciplinarities in film as an onto-philology of cinema in terms of ellipsis, as the core of an onto-philology of literature, in terms of metaphor as dialogic multi-space-temporality. (Odette Dagan, about a comparison between Robert Bresson and Marcel Proust, preparatory courses in the Graduate Institute of Film Studies, Paris, 1965).

[16] ³ Here the author invokes a Marxist dialectic of the art market, according to the principle of the exchange of use value and exchange value. Equivalence between all forms of value, including market - where the general equivalent is money - is structural to the systems of production and social relations of capitalist societies. The analysis concerns art objects and creative production as participants in the system of equivalences, as framed by the contemporary art market. Reference to an emerging exceptional equivalence of art and money beyond the historical stage of finance capital), is based on a critical assumption of Charles Baudelaire concerning the value of art, as financial capital itself. Following a hyperbolic rise of speculative value via monetization of ex nihilo loan practices or "money creation' , semio- capitalism is hyperbolic, exceeding the system of equivalences concerning labor (therefore outside social pacts). Art as an absolute (negative) commodity is defined by Baudelaire as is a potential sphere of speculation on the exchange value of the externality to the system of equivalence. This is the basis of postmodern critical theory's critique of political economy and the dispositive of Enlightenment humanism (see Giorgio Agamben, in Stanze, on art and image, and more recently, on unprofanable capital and freedoms in his Profanations. Jean Baudrillard's analysis of the abstract and speculative system of signs is pertinent here, concerning semiotics of objects and through four books, see especially The Symbolic Exchange and Death - see his criticalsecret.com bibliography)

[17] ⁴ The white cube as the space of conventional exposure reproduced in galleries of contemporary art ; so named because the white walls including the ceiling - and possibly the floor - so that all approaches a white cube space of presumed neutrality in which exchange can occur without direct perception of the system of exchange.

[18] ⁵ Quote of the two concepts of the eponymous title of Gilles Deleuze on cinema— possibly in contradistinction to the construction of cinematic space as "centrifugal" in the theory of André Bazin (op. cit., See footnote 1).

[19] ⁶ Process of different delayed time in narrative as creative temporality in Literature (based on a methodology of historical philology, in the thought of the historian and theorist/philosopher of literature Mikhail Bakhtin. Concerning space and time both diachronic and dialogic in literature, especially in Dostoevsky, Bakhtin was a specialist, drawing from the research of the linguistic philosopher Tzvetan Todorov. (See Mikaïl Mikhailovich Bakhtin Works bibliography in Wikipedia, among which Mikhaïl Bakhtin, Michael Holquist (Editor, Translator), Caryl Emerson (Translator) The Dialogic Imagination : Four Essays (University of Texas Press Slavic Series, 1981), and Todorov (translated by Wlad Godzich) : Mikhail Bakhtin : The Dialogical Principle (Theory & History of Literature, Vol. 13, University of Minnesota Press, 1981, 1984. See also Gary Morson and Caryl Emerson : Mikhail Bakhtin : Creation of a Prosaics (Reprint, Stanford University Press, 1990).

[20] ⁷ Ibid. (see note ³).

[21] ⁸ Benjamin H. D. Buchloh is a German art historian who teaches at the Department of Modern Art at Harvard University (MA). (On his bibliography see wikipedia).

[22] ⁹ Raymond Pettibon is an American artist including designer graphics with many historical references who lives in New York and co-author of a book with Benjamin H. D. Buchloh, Raymond Pettibon : Here is Your Irony Back, released on June 1, 2013 by the German publisher Steidl.

[23] ¹⁰ Synthetic figuration as a result of a methodology descriptive materials of time and space in a narrative. ibid. (Mikhail Bakhtin).

[24] ¹¹ ibid. (See footnote ²).

Tous les documents iconographiques ont été remis à criticalsecret par l'artiste / Images credit — Courtesy © Christina McPhee.

Les notes commentées ont été ajoutées par la traductrice dans le but de suggérer une lecture européenne « continentale » des référents de l'article. Excepté la citation extraite de l'ouvrage de Gilles Deleuze dont nous remercions Christina McPhee.

We thank Christina McPhee for the notes into English.

#OlivierHadouchi Actualités et liens / News and Links

Olivier Hadouchi, criticalsecret redaction — 2013-04-26T03:05:00Z

● Appel à communications - Call for papers - Convocatoria de ponencias ● Revue Mondes du Cinéma n3 ● Le Bal / Le Bal Lab - pour mémoire ● J. Saab Strange Games Bridges ● M. Handler Various Interviews / Michel Chanan ● Algeria Liberation Image & Revolution ●

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Appel à communications - Call for papers - Convocatoria de ponencias

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De l'Unité populaire à la transition démocratique : représentations, diffusions, mémoires cinématographiques du Chili, 1970-2013

Appel à communications

Journées d'études – 9 et 10 octobre 2013 - INHA

A l'occasion du 40ème anniversaire du coup d'Etat militaire du 11 septembre 1973 contre le gouvernement de Salvador Allende au Chili, l'association de doctorants en Études cinématographiques Les Trois lumières organise deux journées d'études. Prévues pour les 9 et 10 octobre 2013 à l'INHA, elles seront consacrées à la représentation cinématographique de la politique du gouvernement d'Unité populaire et de la répression, de 1973 jusqu'à la transition démocratique, ainsi qu'aux manifestations de solidarité internationale des milieux cinématographiques avant et après le putsch.

L'objet de ces journées sera de mener une réflexion sur les rapports entre le cinéma, la politique et la mémoire autour de l'exemple chilien articulée sur plusieurs périodes et plusieurs continents.

Nous nous intéresserons en premier lieu aux rapports des cinéastes chiliens à la politique avant et après l'élection du gouvernement d'Unité populaire ainsi qu'aux rapports du pouvoir politique avec le cinéma dans un projet gouvernemental. Le statut du cinéma comme expression de la Résistance en exil sera envisagé comme continuité ou rupture des pratiques mises en place sous l'UP. Nous pourrons également interroger les activités ultérieures des cinéastes chiliens en exil et les tentatives de mettre en place des expériences cinématographiques similaires dans d'autres contextes.

Le rôle des milieux cinématographiques à l'échelle continentale, européenne et soviétique nous intéressera particulièrement tant au niveau du soutien apporté à l'Unité populaire qu'à la mobilisation contre la répression qui suit le coup d'Etat de la junte militaire. Nous porterons notre attention sur les acteurs de ces mouvements (particuliers, collectifs, comités de soutien, festivals…) et sur les discours qui les accompagnent (quels enjeux nationaux pour les militants européens ?).

Nous réfléchirons enfin sur le rôle du cinéma dans la mémoire de l'Unité populaire et de la dictature dans le contexte du Chili actuel. Il sera question de la place accordée aux films réalisés au Chili et à l'étranger dans les années 1970, mais également aux pratiques de la vidéo et des télévisions locales populaires de la résistance à la dictature de la fin des années 1970 à la fin des années 1980.

Cette dernière partie sera l'occasion de faire un état des lieux de l'avancée de la recherche et des pistes restant largement à explorer.

Les propositions de communication (500 mots max.) sont à envoyer jusqu'au 15 mai 2013 à l'adresse suivante : lestrois3lumieres@gmail.com

Comité scientifique :

Victor Barbat (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; HiCSA/CERHEC) ; Olivier Hadouchi (docteur en cinéma, Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle ; IRCAV) ; Armand Mattelart (professeur émérite, Université Paris 8) ; Michèle Mattelart (Sociologue) ; Alejandro Montecinos (Universidad de Santiago de Chile) ; Tangui Perron (Historien, chargé du patrimoine audiovisuel à Périphérie) ; Nicolas Prognon (Université Toulouse-Le Mirail ; FRAMESPA UMR 5136) ; Catherine Roudé (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; HiCSA/CERHEC)

Comité d'organisation :

Victor Barbat et Catherine Roudé ; Les Trois lumières (association de doctorants en Etudes cinématographiques – Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, HiCSA/CERHEC)

Partenaires des journées d'études :

Archives départementales de la Seine-Saint-Denis ; Bibliothèque du cinéma François Truffaut ; Ciném'attack (ciné-club de Paris 1) ; Périphérie (centre de création cinématographique) ; Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; Université de Santiago du Chili (Usach).

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From Popular Unity to Chilean transition to democracy : cinematographic representation, broadcasting and memories, 1970-2013

Call for papers

Study Days - October 9th and 10th 2013 – Paris (INHA)

For the 40th anniversary of the September 11th 1973 military coup against Salvador Allende's government in Chile, the PhD students in history of cinema association Les Trois Lumières (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; HiCSA EA 4100/CERHEC) set-up a two day conference about political cinema and Chile. The two days will be dedicated to Chilean political cinema during Popular Unity and the dictatorship following the putsch and also to international solidarity of cinema corporations before and after the coup.

During these two days we will study the connections between cinema, politics and memory through the Chilean case, in the American and European continents and the USSR.

We will first pay attention to the political commitment of Chilean filmmakers before and after the election of Salvador Allende as well as the government project about cinema carried by Popular Unity. The cinematographic activities against dictatorship of exiled filmmakers will be observed as carrying on or cutting off former experiences. We will also get interested in their later works as for example the attempt to set cinematographic experiences in other contexts.

We will then analyze the part played by international cinema organizations (America, Europe, USSR) in supporting the Popular Unity government as well as in informing and mobilizing against crackdowns after the coup. We will pay a particular attention to the people involved in the movements (as individuals, collective, institutions, movie festivals…) and on ideas carried by them within their own political and historical backgrounds.

Finally, we will reflect upon the role of cinema in carrying the memory of Allende's presidency and Pinochet's dictatorship in present-day Chile. We will focus on the status given to movies directed in Chile or abroad during the seventies and also to video and local TV broadcasts and their attempts to resist to the dictatorship from the early seventies to the late eighties.

This last part will also focus on reviewing the current state of research and paths yet unexplored on the subject.

The papers (500 words max.) are to be emailed at : lestrois3lumieres@gmail.com

Deadline : May, the 15th 2013.

Study Days committee

Victor Barbat (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; HiCSA/CERHEC) ; Olivier Hadouchi (docteur en cinéma, Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle ; IRCAV) ; Armand Mattelart (professeur émérite, Université Paris 8) ; Michèle Mattelart (Sociologue) ; Alejandro Montecinos (Universidad de Santiago de Chile) ; Tangui Perron (Historien, chargé du patrimoine audiovisuel à Périphérie) ; Nicolas Prognon (Université Toulouse-Le Mirail ; FRAMESPA UMR 5136) ; Catherine Roudé (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; HiCSA/CERHEC)

Organizers :

Victor Barbat and Catherine Roudé ; Les Trois lumières (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, HiCSA/CERHEC)

Partners :

Archives départementales de la Seine-Saint-Denis ; Bibliothèque du cinéma François Truffaut ; Ciném'attack (ciné-club de Paris 1) ; Périphérie (centre de création cinématographique) ; Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; Université de Santiago du Chili (Usach)

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De la Unidad Popular a la transición democrática : representaciones, difusiones y memorias cinematográficas de Chile, 1970-2013

Convocatoria de ponencias

Coloquio del 9 y 10 de octubre 2013 – Paris (INHA)

Con motivo del 40° aniversario del golpe militar del 11 de septiembre de 1973 contra el gobierno de Salvador Allende en Chile, la asociación de doctorado en estudios de cinematográfica, Les Trois Lumières, (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne HiCSA EA 4100/CERHEC) organiza un coloquio respecto a este periodo singular. Estos días de estudios se dedican al estudio de la representación cinematográfica respecto a la política del gobierno de la Unidad Popular y respecto a la represión política desde 1973 hasta la transición democrática. Apuntaremos también el efecto del fenómeno que constituye las masivas campañas de solidaridad internacional del “mundo del cine” antes y después del golpe. El objetivo de estudio de estas jornadas, que tendrán lugar los días 9 y 10 de octubre 2013 en el Instituto Nacional de Historia del Arte (INHA), se cuenta con una reflexión en torno de la relación entre el cine, la política y la memoria a través del ejemplo chileno. Analizaremos como las dimensiones nacionales del conflicto se articularon con sus efectos a nivel internacionales (en América, en Europa y URSS).

En una primera instancia nos interesamos a la relacione entre los directores de cine y la política chilena durante el proceso de la UP a fin de saber cómo o no se desarrollo un proyecto cultural gubernamental. En esa perspectiva trataremos de ver como el cine (entenderse como forma de expresión política singular) se mantiene a dentro o a fura de las prácticas culturales establecidas en la UP. Siguiendo vamos a examinar las actividades posterior de los cineastas chilenos en exilio y ver como en otros contextos aparece tentativas cinematográficos similares.

El papel de los círculos cinematográficos a nivel continental y europeo, será de los principales objetos a abordar, ya sea desde el punto de vista de apoyo al gobierno de la UP, a las movilizaciones contra la represión política después del golpe. Nuestro análisis se centrara en torno a los actores de están movilizaciones (individuos, grupos, comités de apoyo, etc…) y al discurso que las acompañas.

Finalmente, nuestra reflexión se interesa al papel del cine en la construcción de la memoria de la UP e del la dictadura en el contexto actual en Chile. Discutiremos sobre el espacio dedicado a las películas realizadas en Chile y en el extranjero en la década del 70. Tras el éxito de esas películas trataremos de ver como se abre el espacio meno conocido que se dedica a formas de resistencias marginales (video y TV local al fin de la década del 70 y durante la década 80). Este último punto será la oportunidad para hacer un primer inventario sobre las investigaciones actual en relación con ese material.

Las propuestas de ponencias (máximo 500 palabras) deben ser enviadas antes del 15 de mayo 2013 en la siguiente dirección : lestrois3lumieres@gmail.com

Comité de organización :

Victor Barbat et Catherine Roudé ; Les Trois lumières (association de doctorants en Etudes cinématographiques – Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, HiCSA/CERHEC)

Comité científico :

Victor Barbat (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; HiCSA/CERHEC) ; Olivier Hadouchi (docteur en cinéma, Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle ; IRCAV) ; Armand Mattelart (professeur émérite, Université Paris 8) ; Michèle Mattelart (Sociologue) ; Alejandro Montecinos (Universidad de Santiago de Chile) ; Tangui Perron (Historien, chargé du patrimoine audiovisuel à Périphérie) ; Nicolas Prognon (Université Toulouse-Le Mirail ; FRAMESPA UMR 5136) ; Catherine Roudé (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ;

Partenarios :

Archives départementales de la Seine-Saint-Denis ; Bibliothèque du cinéma François Truffaut ; Ciném'attack (ciné-club de Paris 1) ; Périphérie (centre de création cinématographique) ; Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; Université de Santiago du Chili (Usach). ∆

Suivre le lien Les trois lumières (mais mettre à jour l'échéance - but update the deadline - actualizar la data de caducidad).

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Revue Mondes du Cinéma nº3

L'opus trois de la revue Mondes du Cinéma, édition du printemps 2013 publiée par les éditions Lettmotif vient de paraître en France (21 avril).

: Monde du Cinéma n° # 3 just out (April / avril 21 2013)
Source Éditions LettMotif

SIÈCLE MARKER
Chijin No Ai (Stephen Sarrazin)
Merde in Japan (Jean-Sébastien Chauvin)
Giri (Pacôme Thiellement)
Rencontre avec Yuko Sekiguchi autour de Black Rain (entretien avec Stephen Sarrazin)
Hou Hsiao-hsien au Japon (entretien avec Jean-Michel Frodon)
Un second regard : Sans soleil mérite d'être vu et revu (Chuck Stephens)
Voyage en dépays : Chris Marker, Koumiko et les chats japonais (Mounir Allaoui)
Le fonds de l'air est noir (Stéphane Pichelin)
Entre les mains du peuple (Lorin Louis)

KALÉIDOSCOPE
Retour sur le Festival panafricain d'Alger de William Klein (Olivier Hadouchi)
Bref état des lieux de la production cinématographique en Afrique (Marion Berger & Federico Olivieri)
Dima l'goudem (toujours vers l'avant) (Sonia Ahnou)
La violence dans le cinéma algérien (1990-2007) (Samir Ardjoum)
Entretien avec Samir Ardjoum (Olivier Hadouchi)
Art vidéo algérien : une expérience en temps réel (Amina Zoubir)
Éloge des possibles et de l'entre-deux, entretien avec Katia Kameli (Olivier Hadouchi)
1er Festival international du cinéma de Dharamsala, quand le cinéma fait vivre le réel (Samantha de Bendern)

Mondes du cinéma, numéro 3 Format 13 x 21, 142 pages, quadrichromie, ISBN 978-2-919070-99-2 Disponible en version print et en version numérique.

On peut l'acheter en ligne dans le site de l'éditeur qui livre dans le monde entier.

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Le Bal / Le Bal Lab - pour mémoire

ÉCLATS ET SOUBRESAUTS D'AMÉRIQUE LATINE

CYCLE PROGRAMMÉ PAR OLIVIER HADOUCHI (CRITIQUE DE CINÉMA ET ECRIVAIN), A L'OCCASION DE L'EXPOSITION FOTO/GRÁFICA AU BAL

« Un cinéma qui se fait complice du sous développement est un sous-cinéma », proclamait l'Argentin Fernando Birri dès 1962. Les meilleurs cinéastes latino-américains des années soixante et soixante-dix furent souvent les plus engagés dans les combats politiques de leur temps pour la libération et pour le changement social,voire révolutionnaire.

« Il faut découvrir, il faut inventer » écrivaient Fernando Solanas et Octavio Getino en 1969, dans leur manifeste Vers un troisième cinéma. Ce texte essentiel dialoguait avec le Che, Godard, Marker, la pensée émancipatrice en Amérique latine, et le groupe Newsreel aux États-Unis. Plusieurs autres grands cinéastes latino-américains sont aussi auteurs de textes théoriques et de manifestes, citons ceux de Fernando Birri (Argentine), de Glauber Rocha (Brésil), de Julio García Espinosa (Cuba) et Jorge Sanjinés (Bolivie).

Ce panorama, en écho à l'exposition du BAL, FOTO/GRÁFICA, accorde une attention particulière à ces films de rupture, ces oeuvres parfois fragiles, imprégnées d'intensité, d'urgence et d'inventivité. Ces travaux d'avant-garde ont d'abord suscité rejets et censures (Basta d'UgoUlive, L'Heure des brasiers de Solanas, Coffea Arábiga de Nicolás Guillén Landrián...), avant d'être reconnus comme des oeuvres phares.

Plus on approche l'époque contemporaine, plus on sent la marque de l'exil dans un contexte de répression et d'érosion du modèle révolutionnaire. Le regard des cinéastes a évolué, certes, mais il demeure toujours attentif aux questions sociales (La virgen Lupita d'Ivonne Fuentes) et culturelles (Carnavales en Potosí de Gabriela Zamorano). Si l'heure n'est plus à la révolution et à la guérilla, il s'agit pour ces cinéastes de préserver la mémoire de ces luttes et des terribles répressions des années soixante-dix (Rue Santa Fe de Carmen Castillo, Granada de Graciela Taquini) et de contribuer à la réinvention, à la vitalité du cinéma et d'un monde en mutation.

Olivier Hadouchi

La programmation s'est articulée en sept programmes :

Le Bal.

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Strange Games and Bridges / Installation

JOCELYNE SAAB WWW.JOCELYNESAAB.COM


TOY FIGHTERS Musée National de Singapour / National Museum Singapore (2007): Des combattants au repos somnolent, assis sur des chaises tournantes de bar entre des palmiers à tête coupée. Une séquence présente le mécanisme de la guerre grâce au jeu des différentes vitesses du montage et aux trois notes de la boîte à musique.
Source © Jocelyne Saab http://strangegamesbridges.free.fr :
Visite de l'installation.

Depicts three men on bar stools during a firing interval. Played to the winding and unwinding of a musical box, the effect is to echo the continual fuelling of the war.
Source © Jocelyne Saab http://strangegamesbridges.free.fr :
Gallery guide.


STRANGE GAMES Musée National de Singapour / National Museum Singapore (2007): Le visiteur se penche et regarde vers le bas comme dans un musée d'histoire pour admirer une mosaïque projetée au sol et sur deux murs. Sur l'écran au sol, des enfants jouent à la guerre et ne reproduisent en réalité qu'un massacre vécu.
(Source © Jocelyne Saab http://strangegamesbridges.free.fr).

Looking down, as if into an archaeological pit with a mosaic in the centre of the room are strange games, played out by the children of troubled times.
(Source © Jocelyne Saab http://strangegamesbridges.free.fr).

“Strange Games & Bridges” de Jocelyne Saab

Exposition d'art contemporain mix-media (architecture cinéma guerre et vidéo) Musée National de Singapour (2007)

www.ambafrance-sg.org

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M. Handler Various Interviews / Michel Chanan

Michael Chanan, New Cinema of Latin America (1984) mchanan.com/video/new-cinema-of-latin-america


Mario Handler Interview (MP4): Extracted from New Cinema of Latin America Part Two, dir. Michael Chanan, 1984. Available on DVD.
CC Licence
Source Vimeo
Michel Chanan

download

Madrid, Uruguay Documenta : Entrevista a Mario Handler (Mayo en 2012)

casamerica

7/5/2012. Mario Handler es un cineasta apasionado, que se reta a sí mismo cada vez que se pone tras la cámara. Con Carlos, cine-retrato de un caminante en Montevideo, mostró las miserias de la vida en la ciudad ; Elecciones es una revisión cruda al clientelismo partidista, mientras que Me gustan los estudiantes es considerado como el inicio del cine militante uruguayo.
Tres películas que se proyectarán el 8 de mayo de 2012 en Casa de América dentro de la muestra Uruguay en clave documental.

En esta entrevista, Handler habla del paralelismo entre los jóvenes que salían a protestar en su famoso documental y los de ahora, y habla del desencanto reinante. Pero además, reconoce que Decile a Mario que no vuelva, en la que afronta de un modo directo y sin concesiones lo vivido en la dictadura uruguaya y las secuelas que esta dejó, era una deuda pendiente. Una película en la que aparecen voces de todas las ideologías, de las víctimas y de los verdugos.

Contenido bajo licencia Creative Commons "Atribución- no Comercial-SinDerivadas 2.0 Genérica"

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Algérie, Colloque et Exposition / Algeria Symposium
and Exhibition


Vittorugo Contino: Coll. Algérie 59
Exposition « Les photographes de guerre » Alger, MAMA
14 mai - 30 août 2013
Invitation (Source vinyculture.com)

L'Institut Culturel Italien à Alger, en collaboration avec le Musée Public National d'Art Moderne et Contemporain (MAMA), organise deux colloques les 15 et 16 mai 2013 ainsi qu'une exposition du 14 mai au 30 août 2013.

Ces évènements sont organisés dans le cadre du prolongement de la célébration du cinquantenaire de l'indépendance (1962-2012) jusqu'à l'été 2013. L'exposition « Les Photographes de Guerre » comprendra notamment la collection « Algérie 59 » du reporter de guerre italien Vittorugo CONTINO.

Celle-ci contient une série de 60 photos en noir et blanc qui forment une esquisse de ce qu'a été la vie des Algériens (Moujahidines, Familles et enfants) lors de la Guerre de libération, et spécifiquement en 1959. Le reporter a d'ailleurs déclaré à cette époque : « J'étais conscient que j'allais devenir un des témoins de l'agonie du colonialisme ».

Deux colloques dans la même thématique seront organisés le 15 et 16 mai et auront respectivement pour titres « L'introduction du visuel dans la Guerre de Libération Nationale » et « l'image et la Révolution » avec la participation de M. Antonio PASSA, expert de l'Agence d'évaluation du système universitaire et de la recherche — ANVUR.

(d'après Hamza Laleg @ vinyculture.com)


Affiche du colloque d'Alger (15-16 mai 2013): dédiée au documentariste serbe Stevan Labudovic
(parmi les exposants présents durant cet hommage)
Source FB Olivier Hadouchi

Le cinéaste Marc Garanger également exposé avec la série photographique « Femmes algériennes » sera présent au vernissage, Pierre Clément (représenté par sa veuve), ainsi que plusieurs autres photographes et cinéastes étrangers ayant soutenu la guerre d'indépendance.

Musée National d'Art Moderne et Contemporain 25 rue Larbi Ben M'hidi 16002. Alger. Algérie Tél. + 213 21 71 72 52 Fax + 213 21 71 72 57 E-mail : contact [at] mama-dz.com http://mama-dz.com/

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L'œil en logo vient de l'article éponyme dans fr.wikipedia.