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2017 For Mark Fisher Pour Jean Baudrillard

Louise Desrenards (Traduction), MARK FISHER aka k-punk — 2017-09-01T01:48:53Z

Dix ans cette année se sont écoulés depuis que Jean Baudrillard nous ait quittés le 6 mars 2007, suite à une maladie. Il avait 78 ans. Pas encore un an depuis que son partenaire de discussion activiste Mark Fisher n'ait lui aussi disparu, par suicide, le 13 janvier 2017. Jean Baudrillard cautionnait l'activisme et la pensée de Mark Fisher, notamment l'évoquant auprès de certains amis concernés par la théorie critique après la rupture du politique et l'activisme post-politique, en France ; de Mark Fisher il évoquait la pratique sociale critique en milieu populaire, dans une cohérence de sa recherche pragmatique pour innover philosophiquement sur la dislocation du temps dans tous les affects sociaux et la culture, (en particulier l'observation aiguë des fractures dans la musique populaire), et il le trouva passionnant dès la première fois qu'il le rencontra au Royaume Uni.
Mark Fisher s'est suicidé le 13 Janvier 2017. Il avait 48 ans.
C'est donc un double anniversaire symbolique de la perte auquel il conviendrait d'ajouter la mort de Jean-Paul Curnier, à 56 ans, le 5 de ce mois d'août et bien qu'il pensât à l'arc, ce qui suppose (mais sans séparation) des criminels et des victimes, — sur lequel nous proposons de méditer avant les foudres de l'automne.
C'est le moment même où vient de paraître le livre de Pacôme Thiellement La victoire des Sans Roi : Révolution gnostique (justement adressé aux artistes populaires cultes, inspirés hors du rang de leurs contemporains postmodernes et de l'après), aux Presses universitaires de France, dans la collection dirigée par Laurent de Sutter qui put s'exprimer précisément au colloque dédié à Jean Baudrillard aux Arts et Métiers à Paris, en cette année commémorative.
On notera la citation choisie par Mark Fisher pour conclure dix ans avant sa propre disparition son hommage à Jean Baudrillard et dont le sens les relie au-delà de leur mort.
A distance de toute commémoration l'énergie de la disposition radicale de leur recherche, à la fois fondamentale (critique des pensées formelles) et activiste dans sa contribution à la réalité sociale, est irrécupérable, et demeure vivante parmi ceux qui tentent de s'arracher à l'alignement de la pensée occidentale, qu'elle soit continentale ou prescrite par la pensée analytique.

(Louise D.)

MY DEATH IS EVERYWHERE, MY DEATH DREAMS
MA MORT PARTOUT MA MORT QUI RÊVE^[1]

Baudrillard's contribution can be most easily appreciated when you consider who condemned him and why. He was denounced by Brit-American empiricists as an incomprehensible obscurantist at the same time as he was dismissed by the overlords of Continental Philosophy for being a pop philosopher, flimsy and insubstantial. Behind these denunciations, you gain a glimpse of a theorist who was playful yet solemn, an opaquely lucid stylist who was in love with jargon and in touch with media.

La contribution de Baudrillard est des plus faciles à évaluer si l'on considère qui l'a condamnée et pourquoi. Il a été dénoncé par les empiristes britanniques comme un obscurantiste incompréhensible en même temps qu'il a été renvoyé par les seigneurs de la Philosophie continentale pour être un philosophe pop, fragile et non substantiel. Sous ces dénonciations, on aperçoit un théoricien espiègle pourtant solennel, un styliste opaque pourtant lucide, qui était amoureux du jargon et au contact des médias.

Baudrillard was never quite laborious or detached enough to qualify as a Continentalist, nor even as a philosopher (he was based, improbably, in a Sociology department). Always an outsider, projected out of the peasantry into the elite academic class, he ensured his marginalization with the marvellously provocative Forget Foucault, which wittily targeted Deleuze and Guattari's micropolitics as much as it insouciantly announced the redundancy of Focault's vast edifice.

Baudrillard n'a jamais été assez laborieux ou détaché pour se qualifier en Continentaliste, ni même en tant que philosophe (il était situé, improbablement, dans un département de sociologie). Toujours l'outsider, projeté hors de la paysannerie dans la classe académique de l'élite, il a assuré sa marginalisation avec le merveilleusement provocateur Oublier Foucault, qui visait avec humour la micropolitique de Deleuze et Guattari autant que d'annoncer en toute insouciance la destitution du vaste édifice de Foucault.

In Baudrillard, theory escaped the 60s. Baudrillard's texts, in their disappointed tone as much as anything else, belong to our world, our era. The various revolutions of the sixties were petering out as Baudrillard began to produce his work. The system proved to be voracious, protean; it absorbed the attacks of its would-be enemies and sold them back as advertising. Critique was useless; new — fatal — strategies needed to be developed, which involved the theorist homeopathically introjecting elements of the system, the code, in the hope of setting the system against itself, overbalancing it.

Chez Baudrillard, la théorie a outrepassé les années 60. Les textes de Baudrillard, dans leur ton déçu autant qu'en toute autre chose appartiennent à notre monde : notre époque. Les diverses révolutions des années soixante se détérioraient quand Baudrillard commença à produire son œuvre. Le système s'est avéré vorace, de diverses façons : il a absorbé les attaques de ses ennemis potentiels et les a revendues en tant que publicité. La critique était inutile ; les nouvelles stratégies — fatales — demandaient des développements, ce qui impliqua le théoricien dans l'insertion homéopathique d'éléments du système, le code, en vue de monter le système contre lui-même, en le contrebalançant.

It is a commonplace that science fiction reveals more about the time it was written than it tells us about the future. But Baudrillard's self-styled science-fiction-theory — which drew upon the theoretical fictions of Ballard and Dick — actually did foretell the future, which is our present. Already, in the 1970s, Baudrillard was basing theoretical riffs on reality TV and the media logic of terrorism. His texts, which dispensed with the academic machinery of footnotes and references around the time of Symbolic Exchange and Death in 1977, became increasingly incantatory and aberrantly lyrical until they resembled a glacial cybernetic poetry, which, especially in the later works, you could easily believe was the work of some dejected AI, endlessly remixing its own concepts and linguistic formulas.

Il est courant que la science-fiction révèle davantage sur le temps écoulé quelle ne nous parle de l'avenir. Mais la soi-disant théorie-fiction de Baudrillard — qui s'est inspirée des fictions théoriques de Ballard et Dick — a effectivement prédit l'avenir, qui est notre présent. Déjà, dans les années 1970, Baudrillard concevait des riffs [refrains] théoriques basés sur la réalité de la télévision et la logique médiatique du terrorisme. Ses textes, qui à l'époque de L'échange symbolique et la mort, en 1977, se dispensèrent du protocole académique des notes de bas de page et des références, sont devenus de plus en plus incantatoires et ouvertement lyriques, jusqu'à ressembler à une poésie cybernétique glaciaire que l'on pourrait aisément prendre, surtout dans ses travaux ultérieurs, pour l'œuvre de quelque intelligence artificielle abattue, remixant sans cesse ses propres concepts et formules linguistiques.

Baudrillard is condemned, sometimes lionised, as the melancholic observer of a departed reality. He was certainly melancholic, but what he mourned was not a lost reality but what he variously termed the illusory, symbolic exchange, the seductive. Reality disappeared at the same moment that art and artifice were eliminated. Deprived of its heightened reflection, extension and hyperbolization in myth, art and ritual, reality cannot sustain itself. It is the very quest to access reality in itself, without illusion, that generates the hyperreal implosion. Here, as Baudrillard long ago realised, reality TV is exemplary. Film an unscripted scene and you might not have art, but you do not have reality either. You have reality's uncanny double, its excrescence: simulation, precisely.

Baudrillard est condamné, parfois au rang de héros, à être l'observateur mélancolique d'une réalité disparue. Il fut certainement mélancolique, seulement ce qu'il déplorait n'était pas une réalité perdue, mais ce qu'il appela l'échange symbolique de l'illusion, la séduction. La réalité a disparu au moment même où l'art et l'artifice ont été éliminés. Privée de la réflexion, de son extension et de son hyperbolisation dans le mythe, art et rituel, la réalité ne peut pas se maintenir par elle-même. C'est la quête même d'accéder à la réalité en soi, sans illusion, qui génère l'implosion hyperréelle. Ici, comme Baudrillard depuis longtemps l'avait compris, la télé-réalité est exemplaire. Filmez une scène sans scénario et vous ne pouvez pas avoir de l'art, mais vous n'avez pas non plus la réalité. Vous avez le double étrange de la réalité, son excroissance : précisément la simulation.

Baudrillard: the prophet in our desert, the prophet of our desert.

Baudrillard : le prophète dans notre désert, le prophète de notre désert.

“The irreversibility of biological death, its objective fact and character, is a modern fact of science. Every other culture says that death begins before death, and that life continues after life, and that it is impossible to distinguish life from death. Against the representation which sees in one the term of the other, we must see try to see the indeterminacy of life and death, and the impossibility of their autonomy in the symbolic order.”
— Symbolic Exchange and Death

« L'irréversibilité de la mort biologique, son caractère objectif et ponctuel, est un fait moderne de science. Elle est spéciale à notre culture. Toutes les autres disent que la mort commence avant la mort, que la vie dure après la vie, qu'il est impossible de discriminer la vie de la mort. Contre la représentation qui voit dans l'une le terme de l'autre, il faut tenter de voir l'indétermination radicale de la vie et de la mort, et l'impossibilité de les autonomiser dans l'ordre symbolique. » (L'Échange symbolique et la mort)

powered by Mark at March, 09, 2007

envoyé par Mark, le 9 mars 2007
(Source /k-punk.abstractdynamics.org)

: Mark Fisher aka k-punk

"In Memoriam: Mark Fisher (1968-2017)"
Verso Blogs, Juliet Jacques
16 January 2017

[1] Citation en l'état du titre deux fois répété, « Ma mort partout, ma mort qui rêve » dans la Ve partie « L'économie politique et la mort » aux pages 243 et 280, du livre de Jean Baudrillard L'échange symbolique et la mort (Paris, éd.Gallimard, 1976, bibliothèque des Sciences Humaines). k-punk intitule son article de présentation de l'auteur par la traduction en anglais de Iain Hamilton Grant "My death is everywhere, my death dreams" dans l'édition Sage de l'ouvrage Symbolic Exchange and Death (1993-2017) — avec une présentation de Mike Gane.

Version française par Louise Desrenards

Le portrait de Jean Baudrillard est une photographie prise par Mark Fisher lors d'une rencontre publique au Royaume Uni et illustre l'article original dans le site de k-punk.

L'icône de fin est le logo de la page d'accueil du site de k-punk (liée à cette page).

You can read some essays and extracts translated into English from Jean Baudrillard's works at "Baudrillard on Death, Power, Evil and Reality" (@ http://insomnia.ac/essays/).

Le titre de l'icône géométrique de l'article est "gadget carré blanc" sous licence GFDL/CC @ http://desencyclopedie.wikia.com/.

Mark Fisher in en.wikipedia.

L'art contemporain et la mémoire du poisson | Contemporary Art and Fish Memory

2015-04-04T04:56:09Z

Entre une considération à Istanbul en 2012, sur le changement de paradigme de l'art contemporain, et le poisson d'avril flottant sur le Whitney Museum à New York en 2015, sans oublier le concombre de la mer (quoique ceci n'est pas un poisson) ondulant dans le changement climatique de l'Atlantique au Pacifique au grand dam du 1er avril comme sujet, une interférence fluctuante de criticalsecret avec de et pour Christina McPhee passe, après une balade conversationnelle sur facebook. Voici la transcription actuelle par Christina de la vidéo où la critique d'art et philosophe Keti Chukhrov^[1] informe sa note clé "On a False Democracy of Contemporary Art" (Sur la fausse démocratie de l'art contemporain) lors de l'événement "Museums Beyond the Crises" (Les musées au-delà des crises) d'une rencontre passée des annuelles du CIMAM... et la suite en quelques réflexions qu'elle inspire (dans un agencement des bâtons rompus de mon cru). Un monde intégré en soi, une autre vision toutefois, éponymique sublimité, et le couvercle soulevé, du moins j'espère. Dédicace à Bandits-Mages. (A. G-C., traductions, rédaction, annotation)
Translation into English—see the note^[2].

(The original contents mostly in English—plus some translations into English—are integrally quoted into notation. Except the poem in body text).

See the video from the CIMAM / Suivre l'enregistrement publié par le CIMAM / on / sur / vimeo / by clicking the picture and wait a moment / en cliquant sur l'image et attendant un peu...


Keti Chukhrov

CIMAM 2012 Annual Conference / KEYNOTE SPEECH 03 / KETI CHUKHROV / Philosopher, Berlin / Moscow / On a False Democracy of Contemporary Art / CIMAM 2012 Annual Conference "Museums Beyond the Crises" took place in Istanbul, 12-14 November 2012 and was hosted by SALT / For more information about CIMAM 2012 Annual Conference please visit cimam.org or email us at info@cimam.org.

Sublimité

Keti Chukhrov (sa voix transcrite par Christina McPhee) : « Aujourd'hui, le problème auquel sont confrontées de nombreuses pratiques de l'art contemporain avec l'institution, au plus proche de la structure de la commande, est qu'elles soient tombées à la fois dans ce que construit l'esthétique, et dans ce qui tenait en sublimité la non-esthétique ; elles sont tombées du canon de la rigidité du modernisme et de l'horizon utopique de l'avant-garde mais quant à elles, elles ne parviennent pas à revenir également aux pratiques du réalisme pré-moderniste, parce que les langages de l'art contemporain ne peuvent pas aider à diminuer la dimension de l'événement, l'anthropologie du vivant à travers l'événement. Cependant, ce qui est devenu si important dans la poétique hautement instituée de l'art contemporain, ce sont les langages de l'auto-historicité, auto-instituants, s'auto-installant dans le cadre de ce qui constitue l'art contemporain comme territoire. Et ceci est un besoin très spécifique d'un contexte, qui n'est pas historique, ni esthétique et pas même politique, sauf qu'il s'agit d'un contexte institutionnel. L'objet de l'art ce n'est pas tellement l'artiste, ni la méthodologie artistique quelle qu'elle soit, mais l'élan même de l'affiliation institutionnelle avec la géopolitique progressiste de l'art contemporain, ce qui amène une stipulation étrange : que la pratique de l'art aujourd'hui soit subalterne, conséquente et subséquente du travail institutionnel. C'est un changement de paradigme, il n'est pas bon ni mauvais, il est là. L'art contemporain en tant qu'institut [établissement], pas comme institution, ce n'est même plus la question de la bureaucratie régissant la pratique créative, mais que la pratique créative ne soit pas possible sans intérioriser l'art contemporain en tant qu'institut [établissement], comme motivation première de la production. Et nous savons tous combien il est important pour un travail d'art aujourd'hui qu'il doive devenir une quasi-institution, une pratique quasi-instituée. Paradoxalement l'art s'épuise s'il ne trouve pas d'intérêt au-delà des limites de l'art, que ce soit le réel, le sublime, le signifié, une fois dénoncé par le modernisme. Et je crois que l'art parle de ces zones non artistiques, non pas au détriment du rejet de soi, mais par l'intermédiaire des modes extraordinaires qui sont artistiques, non pas tant parce qu'ils sont esthétiques, mais parce qu'ils sont générés par le lien éventuel entre la subjectivité et le réel^[3]. La condition pragmatique d'aujourd'hui consiste en ce que l'art du Grand Autre^[4], l'art du Réel, l'art du sublime, est aujourd'hui l'institut d'art contemporain lui-même ^[5] ».

Christina McPhee (répondant à une assertion à l'emporte-pièce de Tom McGlynn, sur son impression de déjà vu et rabâché des références dans l'intervention de Keti Chukhrov — voir la note 7) : « Tom, je pense que le fait porté par Keti soit qu'il y ait un rejet intéressant de « l'événement ». Et que ce rejet soit systémique et que ce soit un symptôme de « l'art contemporain » comme « institut ». Je suis sûre que sur le sujet toujours lié au réel Keti soit d'accord avec vous. Je pense que le passage est intéressant car il décrit comment l'art contemporain est fichu d'une manière que je n'avais pas tout à fait rencontrée auparavant, c'est-à-dire que le « sublime » de l'art contemporain soit l'« institut ». En d'autres termes CA peut alors être compris comme un déni du réel, le sujet, et les revendications de vérité autour de lui — une sorte d'un acte délibéré de déni. Je veux dire que c'est une grande revendication de balayage et j'apprécie vraiment ses analyses précises et implacables^[6]. »

Tom McGlynn (répondant à Christina McPhee) : « Oui, je peux voir ce que vous voulez dire, Christina, et la citation isolée du reste de la conférence ne la reflète pas pleinement dans son ensemble. Ma propre position évite toute « caducité »^[7], donc de mon point de vue le sublime de l'art contemporain est une représentation abstraite en soi. Le fait est peut-être que l'institution se pose « elle-même » comme une sorte de « sujet » libéral virtuel qui simule une fidélité subjective à l'événement, lequel en réalité est une sorte de projection du spectacle ostensiblement « émancipé » de mauvaise foi^[8]. »

Christina McPhee : « EXACTEMENT ! Bien posé !! »

Et d'une rive l'autre^[9]


Christina McPhee: triple c sea cucumbers caught *
2011
ink on Yupo synthetic paper
26 x 20 inches / 66 x 50 cm

* Sea cucumbers : holothuries
(littéralement nommées ici concombres - bêtes - de la mer)

A Fundy fog

A Fundy fog Comes luffing in For Pocalogan harbor

Its wrack clinging bladder The sea cucumber sighs Evacuated on the tide

Une brume de Fundy^[10]

Une brume de Fundy Arrive en lofant Au port de Procalogan

Son fucus accroche une vessie L'holothurie soupire Évacuée par la marée^[11]

Vrai poisson d'avril^[12]

Et de l'établissement d'art contemporain aux galeries comme les véritables artistes il n'y avait qu'un pas à franchir le premier avril, par des gens à la fois aigus et amusants (on se dit que les représentants de la structure institutionnelle et leurs critiques ci-français sont bien tristes, sinistres même), dans l'éditorial de Hyperallergic, qui avec une logique implacable annonçait il y a deux jours que la Biennale du Whitney Museum, réputée et attendue chaque fois pour annoncer les nouvelles tendances et/ou prédictions de l'avenir de l'art américain et de son exposition commerciale, allait cesser, le Whitney étant passé désormais à un programme directement consacré aux galeries :

« Whitney Museum replacing Biennial with program devoted to art galleries »

Je traduis l'extrait pertinent relevé par Christina McPhee : « Nous voulons être l'institution qui raconte l'histoire contemporaine de l'art américain comme il se fait, a ajouté Weinberg^[13], après une longue période d'auto-examen nous avons réalisé que la meilleure façon de le faire était d'aller au-delà de montrer les artistes américains, et de souligner le travail des marchands d'art américains, qui sont les véritables artistes. »

Faux épilogue

Ça ressemblait à un hoax d'avril mais peut-être pas — tant cela ressemblait aussi à la libéralisation de l'art, à l'externalisation collective, émergente de l'internalisation privative de toute chose publique ou de rassemblement commun. Donc voilà le Whitney haut siège de la Biennale qui édictait les nouvelles tendances de l'art contemporain, la supprimant au crédit d'un programme directement dédié aux galeries. Ne serait resté que la Documenta déjà bien atteinte elle-même. Cela voulait dire, plutôt, que tous les concepts du corps propre de l'art étant éculés et outrepassés à la fois par le dispositif commercial et le dispositif institutionnel, dans l'ère où la fin de l'histoire de l'art — des formes et des genres — n'a d'égal que celle de l'Histoire qui la contient, où le progrès n'est plus affecté de la valeur symbolique de l'innovation moderne, ni par conséquent à l'art d'avant-garde, on pouvait revenir à Baudrillard, pour rallier le fil de cette plaisanterie.

Baudrillard l'avait déjà déclaré autrement en ces lieux mêmes, lors d'une fameuse Biennale du Whitney en 1987, où il déposséda aussi le simulationnisme de la paternité que les critiques et les artistes américains lui avaient attribuée par contresens, d'après lui ; ce qui lui avait valu ce retour de haine qui explosa après le 11/9, et se poursuivit auparavant en France à propos du terme qu'il retourna lui-même en « complot de l'art ».

Dr. Leslie S. Curtis, « Baudrillard, I Will Personally Guide You through Documenta 12 » The word 'art' bothers me.

La dernière des dernières « Biennale du Whitney » aurait donc eu lieu l'an passé, en 2014, justement sous les augures francophiles de Semiotext(e)^[14].

MAIS il n'en est rien sinon le jeu du sourire. C'EST UN POISSON D'AVRIL ! La machine n'en finira jamais de se reproduire identique à elle-même serait-elle évidée du sens symbolique commun dans l'émigration vers le réseau et le flux du marché.

Avant-cène

« Le complot de l'art »^[15].

« Si dans la pornographie ambiante s'est perdue l'illusion du désir, dans l'art contemporain s'est perdu le désir de l'illusion. Dans le porno, rien ne laisse plus à désirer. Après l'orgie et la libération de tous les désirs, nous sommes passés dans le transsexuel, au sens d'une transparence du sexe, dans des signes et des images qui en effacent tout le secret et toute l'ambiguïté. Transsexuel, au sens où ça n'a plus rien à voir avec l'illusion du désir, mais avec l'hyperréalité de l'image.

Ainsi de l'art, qui lui aussi a perdu le désir de l'illusion, au profit d'une élévation de toutes choses à la banalité esthétique, et qui donc est devenu transesthétique. Pour l'art, l'orgie de la modernité a consisté dans l'allégresse de la déconstruction de l'objet et de la représentation. Pendant cette période, l'illusion esthétique est encore très puissante, comme l'est, pour le sexe, l'illusion du désir. A l'énergie de la différence sexuelle, qui passe dans toutes les figures du désir, correspond, pour l'art, l'énergie de dissociation de la réalité (le cubisme, l'abstraction, l'expressionnisme), l'une et l'autre correspondant pourtant à une volonté de forcer le secret du désir et le secret de l'objet. Jusqu'à la disparition de ces deux configurations fortes — la scène du désir, la scène de l'illusion — au profit de la même obscénité transsexuelle, transesthétique — celle de la visibilité, de la transparence inexorable de toutes choses. En réalité, il n'y a plus de pornographie repérable en tant que telle, parce que la pornographie est virtuellement partout, parce que l'essence du pornographique est passée dans toutes les techniques du visuel et du télévisuel Mais peut-être, au fond, ne faisons-nous que nous jouer la comédie de l'art, comme d'autres sociétés se sont joué la comédie de l'idéologie, comme la société italienne par exemple (mais elle n'est pas la seule) se joue la comédie du pouvoir, comme nous nous jouons la comédie du porno dans la publicité obscène des images du corps féminin. Ce strip-tease perpétuel, ces phantasmes à sexe ouvert, ce chantage sexuel — si tout cela était vrai, ce serait réellement insupportable. Mais, heureusement, tout cela est trop évident pour être vrai. La transparence est trop belle pour être vraie. Quant à l'art, il est trop superficiel pour être vraiment nul. Il doit y avoir un mystère là-dessous. Comme pour l'anamorphose : il doit y avoir un angle sous lequel toute cette débauche inutile de sexe et de signes prend tout son sens mais, pour l'instant, nous ne pouvons que le vivre dans l'indifférence ironique. Il y a, dans cette irréalité du porno, dans cette insignifiance de l'art, une énigme en négatif, un mystère en filigrane, qui sait ? une forme ironique de notre destin ? Si tout devient trop évident pour être vrai, peut-être reste-t-il une chance pour l'illusion. Qu'est-ce qui est tapi derrière ce monde faussement transparent ? Une autre sorte d'intelligence ou une lobotomie définitive ? L'art (moderne) a pu faire partie de la part maudite, en étant une sorte d'alternative dramatique à la réalité, en traduisant l'irruption de l'irréalité dans la réalité. Mais que peut encore signifier l'art dans un monde hyperréaliste d'avance, cool, transparent, publicitaire ? Que peut signifier le porno dans un monde pornographié d'avance ? Sinon nous lancer un dernier clin d'oeil paradoxal — celui de la réalité qui se rit d'elle-même sous sa forme la plus hyperréaliste, celui du sexe qui se rit de lui-même sous sa forme la plus exhibitionniste, celui de l'art qui se rit de lui-même et de sa propre disparition sous sa forme la plus artificielle : l'ironie. De toute façon, la dictature des images est une dictature ironique. Mais cette ironie elle-même ne fait plus partie de la part maudite, elle fait partie du délit d'initié, de cette complicité occulte et honteuse qui lie l'artiste jouant de son aura de dérision avec les masses stupéfiées et incrédules. L'ironie aussi fait partie du complot de l'art.

L'art jouant de sa propre disparition et de celle de son objet, c'était encore un grand oeuvre. Mais l'art jouant à se recycler indéfiniment en faisant main basse sur la réalité ? Or la majeure partie de l'art contemporain s'emploie exactement à cela : à s'approprier la banalité, le déchet, la médiocrité comme valeur et comme idéologie. Dans ces innombrables installations, performances, il n'y a qu'un jeu de compromis avec l'état des choses, en même temps qu'avec toutes les formes passées de l'histoire de l'art. Un aveu d'inoriginalité, de banalité et de nullité, érigé en valeur, voire en jouissance esthétique perverse. Bien sûr, toute cette médiocrité prétend se sublimer en passant au niveau second et ironique de l'art. Mais c'est tout aussi nul et insignifiant au niveau second qu'au premier. Le passage au niveau esthétique ne sauve rien, bien au contraire : c'est une médiocrité à la puissance deux. Ça prétend être nul : « Je suis nul ! Je suis nul ! » — et c'est vraiment nul.

Toute la duplicité de l'art contemporain est là : revendiquer la nullité, l'insignifiance, le non-sens, viser la nullité alors qu'on est déjà nul. Viser le non-sens alors qu'on est déjà insignifiant. Prétendre à la superficialité en des termes superficiels. Or la nullité est une qualité secrète qui ne saurait être revendiquée par n'importe qui. L'insignifiance - la vraie, le défi victorieux au sens, le dénuement du sens, l'art de la disparition du sens- est une qualité exceptionnelle de quelques oeuvres rares, et qui n'y prétendent jamais. Il y a une forme initiatique de la nullité, comme il y a une forme initiatique du rien, ou une forme initiatique du Mal. Et puis, il y a le délit d'initié, les faussaires de la nullité, le snobisme de la nullité, de tous ceux qui prostituent le Rien à la valeur, qui prostituent le Mal à des fins utiles. Il ne faut pas laisser faire les faussaires. Quand le Rien affleure dans les signes, quand le Néant émerge au coeur même du système de signes, ça, c'est l'événement fondamental de l'art. C'est proprement l'opération poétique que de faire surgir le Rien à la puissance du signe — non pas la banalité ou l'indifférence du réel, mais l'illusion radicale. Ainsi Warhol est vraiment nul, en ce sens qu'il réintroduit le néant au coeur de l'image. Il fait de la nullité et de l'insignifiance un événement qu'il transforme en une stratégie fatale de l'image.

Les autres n'ont qu'une stratégie commerciale de la nullité, à laquelle ils donnent une forme publicitaire, la forme sentimentale de la marchandise, comme disait Baudelaire. Ils se cachent derrière leur propre nullité et derrière les métastases du discours sur l'art, qui s'emploie généreusement à faire valoir cette nullité comme valeur (y compris sur le marché de l'art, évidemment).

Dans un sens, c'est pire que rien, puisque ça ne signifie rien et que ça existe quand même, en se donnant toutes les bonnes raisons d'exister. Cette paranoïa complice de l'art fait qu'il n'y a plus de jugement critique possible, et seulement un partage à l'amiable, forcément convivial, de la nullité. C'est là le complot de l'art et sa scène primitive, relayée par tous les vernissages, accrochages, expositions, restaurations, collections, donations et spéculations, et qui ne peut se dénouer dans aucun univers connu, puisque derrière la mystification des images il s'est mis à l'abri de la pensée.

L'autre versant de cette duplicité, c'est, par le bluff à la nullité, de forcer les gens, a contrario, à donner de l'importance et du crédit à tout cela, sous le prétexte qu'il n'est pas possible que ce soit aussi nul, et que ça doit cacher quelque chose. L'art contemporain joue de cette incertitude, de l'impossibilité d'un jugement de valeur esthétique fondé, et spécule sur la culpabilité de ceux qui n'y comprennent rien, ou qui n'ont pas compris qu'il n'y avait rien à comprendre. Là aussi, délit d'initié. Mais, au fond, on peut penser aussi que ces gens, que l'art tient en respect, ont tout compris, puisqu'ils témoignent, par leur stupéfaction même, d'une intelligence intuitive : celle d'être victimes d'un abus de pouvoir, qu'on leur cache les règles du jeu et qu'on leur fait un enfant dans le dos. Autrement dit, l'art est entré (non seulement du point de vue financier du marché de l'art, mais dans la gestion même des valeurs esthétiques) dans le processus général de délit d'initié. Il n'est pas seul en cause : la politique, l'économie, l'information jouissent de la même complicité et de la même résignation ironique du côté des « consommateurs ».

« Notre admiration pour la peinture est la conséquence d'un long processus d'adaptation qui s'est opéré pendant des siècles, et pour des raisons qui très souvent n'ont rien à voir avec l'art ni l'esprit. La peinture a créé son récepteur. C'est au fond une relation conventionnelle » (Gombrowicz à Dubuffet). La seule question, c'est : comment une telle machine peut-elle continuer de fonctionner dans la désillusion critique et dans la frénésie commerciale ? Et si oui, combien de temps va durer cet illusionnisme, cet occultisme — cent ans, deux cents ans ? L'art aura-t-il droit à une existence seconde, interminable — semblable en cela aux services secrets, dont on sait qu'ils n'ont plus depuis longtemps de secrets à voler ou à échanger, mais qui n'en fleurissent pas moins, en pleine superstition de leur utilité, et en défrayant la chronique mythologique. »

Jean Baudrillard

Source Libération (20 mai 1996)

L'ouvrage éponyme de l'article et comprenant d'autres textes publié en 1997 a été réédité en 2005 par le même éditeur, Sens & Tonka (FR) : soit plusieurs essais et entretiens de Jean Baudrillard, « Le complot de l'art » (1996), « Illusion, désillusion esthétiques » (1997), « Entrevues à propos du complot de l'art » (1997), accrus dans la nouvelle édition d'une préface de Sylvère Lotringer, « Le pirate de l'art », essai sur Jean Baudrillard et qui depuis a été traduit en anglais sous le titre 'The piracy of Art" par son auteur et publié en 2008 sous son propre copyright dans le site Insomnia où il est toujours accessible^[16]. Total Work integrally translated and published into english, plus Baudrillard's "War Porn" on Abu Ghraib, by Sylvère Lotringer publisher at Semiotext(e), the USA —same year than french republishing (2005). You can read an abstrat in The MIT Press site.

En 1997, Jean-Yves Jouannais, alors rédacteur en chef de Art Press (de 1991 à 1999) publiait en France Artistes sans œuvres - I would prefer not to (éd. Verticales), et en 2003 L'idiotie, Art, Vie, Politique - méthode. (éd. Beaux-Arts Magazine livres). Ouvrages apparemment restés sans traduction en anglais.

https://vimeo.com/35938328 Christina McPhee, Penumbra Blind (2010-2012)

"Penumbra Blind considers all biological data-sets - ‘animal' and ‘human', ‘scientist' and ‘invertibrate' as continua in and out of shadows, mirroring each other."

En logo, un portrait de Christina McPhee dans le site academia.edu.

* Si le tweet qui apparaît dans la fenêtre d'envoi est trop long, (le nombre de signes en excès apparaissant dessous, précédé de : "-") le raccourcir avant de l'envoyer, en prenant soin de ne pas supprimer le lien même de l'article. / * If the content of the tweet is too long (the number of characters in excess is indicated by a negative value), please shorten it and make sure you do not crop the link.

[1] Philosophe, professeure à Berlin et à Moscou, Keti Chukrov est à la fois une spécialiste de la pensée critique du monde post-soviétique et du monde post-colonial.
http://www.formerwest.org/Contributors/KetiChukhrov.

[2] Between an observation on a paradigm shift in Contemporary Art by Keti Chukhrov in Istanbul, in 2012, and the April Fools floating above the Whitney Museum in New York, in 2015, not to mention the sea cucumber—although "Ceci n'est pas un poisson—absorbing the climate change shockwave from the abyss up to the beaches of both Atlantic and Pacific oceans, to the dismay of April Fools—as a subject—there is a warm meandering stream from criticalsecret with Christina McPhee flowing still after a conversational ride on Facebook. Here is the current transcription by Christina of an excerpt from the video where Keti Chukhrov, the art critic and philosopher [1], develops on her keynote "On a False Democracy of Contemporary Art" (her title) for the past conference of the thematic event "Museums Beyond the Crises" in the framework of the annual conference of the International Committee of ICOM for Museums and Collections of Modern and Contemporary Art in Istanbul (CIMAM). A keynote that always appears relevant ... and followed by a few thoughts it inspires (in a desultory fashion of my own). A world in itself, not another vision, but deeply critical, somehow "anthropocene of the value", an eponymic sublimity lifting the lid, at least I hope. Thank you Christina. (A. G-C., Translations, editing, annotations). N.B. This English version reread by Michel Belisle.

[3] Alain Badiou ; sur deux de ses récents ouvrages à propos du réel on peut lire l'article de Robert Maggiori « À l'impossible tous tenus », Libération (11 février 2015).

[4] En psychanalyse l'Autre désigne ce qui est extérieur à soi ; chez Lacan il comprend le Grand Autre, l'ordre symbolique de ce qui est perçu d'autrui et qui n'est pas son image, l'ordre symbolique déterminant le sujet, par opposition au "petit autre" — l'image qui est prise pour autrui --- mais qui ne l'est pas. La conception de l'Autre chez Lacan intègre celle de Hegel (lu par Kojève) s'écartant ainsi de la conception de Freud. Il est à préciser que Alain Badiou lui-même a recours à certains concepts lacaniens dans les domaines de l'altérité et de l'inconscient.

[5] Christina McPhee, 28 Mars : Keti Chukhrov : "Today the problem facing many contemporary art practices with institutional, proximally commissioned framework is that they fell out of both what constructed aesthetics and what stood for non-aesthetic sublimitiy ; they fell out of modernism's canon of rigidity and out of the avant garde's utopian horizon, but they they fail to return to the practices of premodernist realisms too because the contemporary art languages cannot help declining the dimension of the event, the anthropology of living through event. Meanwhile what became so important in the highly institutioanalized poetics of contemporary art are the languages of self historicizing, self instituting self installing in the the frame of what constructs the contemporary art as territory. And this is a very specific need for a context, which is neither historical nor aehsticic even political , but it is an institutional context. The subject matter of art is neither so much the artist, nor the artistic methodology of any kind, but the very momentum of institutional affiliation with contemporary art's progressive geopolitics and this brings to a strange condition, that , today art practice is subordinate and consequent and subsequent to the institutional work. It is a paradigmatic shift, it is not good or bad, it is there. Contemporary art as institute, not institution, it is no more the question of bureaucracy governing creative practice, but that creative practice not possible without internalizing contemporary art as institute as its primary motivation for production. And we all know how important for an art work is itself today to become a quasi-institution, a quasi-instituite practice.
Paradoxically art exhausts if it doesn't take interest beyond the limits of art, this can be the real, the sublime, the signified, once denounced by modernism. And i believe that art tells about these non artistic zones, not at the expense of self rejection, but via extraordinary modes which are artistic, not so much because they are aesthetic, but because they are generated by the eventual tie between the subjectiity and the real. The pragmatic condition of today is that the art's Big Other, the art's Real, the art's sublime, today is the contemporary art institute itself. " Source : FB.

[6] Tom, i think Keti's point is that there's an interesting rejection of the 'event.' And that this rejection is systemic and that it's a symptom of the 'contemporary art' as 'insitute' ' . I am sure Keti would agree with you that the subject is always tied to the real. I think the passage is interesting because it describes how contemporary art is fucked up in a way I hadn't quite encountered before, i. e. that the 'sublime' of contemporary art is the 'institute' . In other words CA can then be understood as a denial of the real, the subject, and truth claims around them— sort of a willful act of denial. I mean it's a big sweeping claim and I really enjoy her precise and relentless analytics.. Source : FB

[7] C'est-à-dire la caducité des références reprochées à Keti Chukhrov dans le premier commentaire de Tom McGlynn, notoirement le contexte badiousien, mais je ne l'ai pas reproduit ici car il ouvrait un hors sujet dans le ton général du présent collage, ironie dédiée à la question d'un fictif/vrai « poisson d'avril » sur l'art contemporain. (A. G-C..)

[8] Tom : Yes, I can see your point Christina, and the quote in isolation doesn't fully reflect the lecture as a whole. My own position eschews "the void" altogether, so from my perspective the contemporary arts sublime is an abstract representation in itself. Perhaps the point is that the institution posits "itself" as a kind of virtual liberal "subject" that simulates a subjective fidelity to the event that is in actuality a kind of bad faith projection of the ostensibly "emancipated" spectacle.

[9] De l'holothurie du Pacifique sur la côte ouest des USA, dans les eaux côtières californiennes (situation de l'observation de Christina McPhee), à l'holothurie de l'Atlantique de la baie de Fundy, dans les eaux territoriales du Nouveau-Brunswick, au sud-est du Canada (situation de l'observation de Tom McGlynn). L'holothurie est un animal marin particulièrement intéressant sous divers aspects bio-physiologiques et milieux de vie pour des artistes qui travaillent sur l'anthropocène du vivant.

[10] « Une brume de Fundy », un poème de Tom McGlynn. Fundy est une baie côtière du Nouveau-Brunswick, État mitoyen de la Nouvelle Écosse dans une presqu'île au sud-est du Canada, où est situé le port de pêche de Pocologan — cité au troisième vers de la première strophe du poème.

[11] Transposition en français sans pouvoir respecter à la fois la prosodie et à la lettre les glissements rhétoriques entre les images dans les strophes en anglais, mais à peu près la syntaxe qui procure une construction poétique dans l'esprit du poème original et un sens que l'auteur consulté assume. Il existe probablement d'autres nuances possibles.

[12] Dans « vrai » pas de controverse métaphysique s'agissant ici d'un concept de logique sémiotique chez Nelson Goodman, notamment présenté et développé dans Faits, Fictions, Prédictions (traduit par Yvon Gauthier et revu par Pierre Jacob), 4ème éd. 1985, éditions de Minuit (FR). Nerson Goodman, Fact, Fiction, and Forecast, Fourth edition with a foreword by Hilary Putnam, Harvard University Press, 1983, Cambridge, The USA.

[13] Adam D. Weinberg est le directeur du Musée du Whitney depuis 2003, après en avoir été un conservateur, et plutôt classique (éventuellement peu audacieux, ce qui serait un clin d'oeil supplémentaire dans l'édito de Hyperallergic). Voir l'article d'Elisabeth Lebovici « Le Whitney Museum tient son nouveau directeur », Libération, le 9 août 2003.

[14] Sur la Biennale du Whitney 2014, voir dans le site consulaire frenchculture.org.

[15] Jean Baudrillard, The Conspiracy of Art, Translation under © 1996 Jean Baudrillard, from/by Insomnia, essays : "The illusion of desire has been lost in the ambient pornography and contemporary art has lost the desire of illusion. In porn, nothing is left to desire. After the orgies and the liberation of all desires, we have moved into the transsexual, the transparency of sex, with signs and images erasing all its secrets and ambiguity. Transsexual, in the sense that it now has nothing to do with the illusion of desire, only with the hyperreality of the image.

The same is true for art, which has also lost the desire for illusion, and instead raises everything to aesthetic banality, becoming transaesthetic. For art, the orgy of modernity consisted in the heady deconstruction of the object and of representation. During that period, the aesthetic illusion remained very powerful, just as the illusion of desire was for sex. The energy of sexual difference, which moved through all the figures of desire, corresponded, in art, to the energy of dissociation from reality (cubism, abstraction, expressionism). Both, however, corresponded to the will to crack the secret of desire and the secret of the object. Up until the disappearance of these two powerful configurations — the scene of desire, the scene of illusion — in favor of the same transsexual, transaesthetic obscenity, the obscenity of visibility, the relentless transparency of all things. In reality, there is no longer any pornography, since it is virtually everywhere. The essence of pornography permeates all visual and televisual techniques.

Maybe we are just acting out the comedy of art, just as other societies acted out the comedy of ideology, just as Italian society (though it is not alone) keeps acting out the comedy of power, just as we keep acting out the comedy of porn in the obscene advertising pictures of women's bodies. Perpetual striptease, fantasies of exposed organs, sexual blackmail : if all this were true, it would indeed be unbearable. Fortunately, it is all too obvious to be true. The transparency is too good to be true. As for art, it is too superficial to be truly null and void. There must be some underlying mystery. Like for anamorphosis : there must be an angle from which all of this useless excess of sex and signs becomes meaningful, but, for the time being, we can only experience it with ironic indifference. In this unreality of porn, in this insignificance of art, is there a negative enigma, a mysterious thread, or, who knows, an ironic form of our destiny ? If everything becomes too obvious to be true, maybe there still is a chance for illusion. What lies hidden behind this falsely transparent world ? Another kind of intelligence or a terminal lobotomy ? (Modern) art managed to be a part of the accursed share, a kind of dramatic alternative to reality, by translating the rush of unreality in reality. But what could art possibly mean in a world that has already become hyperrealist, cool, transparent, marketable ? What can porn mean in a world made pornographic beforehand ? All it can do is make a final, paradoxical wink — the wink of reality laughing at itself in its most hyperrealist form, of sex laughing at itself in its most exhibitionist form, of art laughing at itself and at its own disappearance in its most artificial form, irony. In any case, the dictatorship of images is an ironic dictatorship. Yet this irony itself is no longer part of the accursed share. It now belongs to insider trading, the shameful and hidden complicity binding the artist who uses his or her aura of derision against the bewildered and doubtful masses. Irony is also part of the conspiracy of art.

As long as art was making use of its own disappearance and the disappearance of its object, it still was a major enterprise. But art trying to recycle itself indefinitely by storming reality ? The majority of contemporary art has attempted to do precisely that by confiscating banality, waste and mediocrity as values and ideologies. These countless installations and performances are merely compromising with the state of things, and with all the past forms of art history. Raising originality, banality and nullity to the level of values or even to perverse aesthetic pleasure. Of course, all of this mediocrity claims to transcend itself by moving art to a second, ironic level. But it is just as empty and insignificant on the second as on the first level. The passage to the aesthetic level salvages nothing ; on the contrary, it is mediocrity squared. It claims to be null — "I am null ! I am null ! — and it truly is null.

Therein lies all the duplicity of contemporary art : asserting nullity, insignificance, meaninglessness, striving for nullity when already null and void. Striving for emptiness when already empty. Claiming superficiality in superficial terms. Nullity, however, is a secret quality that cannot be claimed by just anyone. Insignificance — real insignificance, the victorious challenge to meaning, the shedding of sense, the art of disappearance of meaning — is the rare quality of a few exceptional works that never strive for it. There is an initiatory form of Nothingness, or an initiatory form of Evil. And then there are the inside traders, the counterfeiters of nullity, the snobs of nullity, of all those who prostitute Nothingness to value, who prostitute Evil for useful ends. The counterfeiters must not be allowed free reign. When Nothing surfaces in signs, when Nothingness emerges at the very heart of the sign system, that is the fundamental event of art. The poetic operation is to make Nothingness rise from the power of signs — not banality or indifference toward reality but radical illusion. Warhol is thus truly null, in the sense that he reintroduces nothingness into the heart of the image. He turns nullity and insignificance into an event that he changes into a fatal strategy of the image.

Other artists only have a commercial strategy of nullity, one to which they give a marketable form, the sentimental form of commodity, as Baudelaire said. They hide behind their own nullity and behind the metastases of the discourse on art, which generously promotes this nullity as a value (within the art market as well, obviously). In a way, it is worse than nothing, because it means nothing and it nonetheless exists, providing itself with all the right reasons to exist. This paranoia in collusion with art means that there is no longer any possible critical judgment, and only an amiable, necessarily genial sharing of nullity. Therein lies the conspiracy of art and its primal scene, transmitted by all of the openings, hangings, exhibitions, restorations, collections, donations and speculations, and that cannot be undone in any known universe, since it has hidden itself from thought behind the mystification of images.

The flip side of this duplicity is, through the bluff on nullity, to force people a contrario to give it all some importance and credit under the pretext that there is no way it could be so null, that it must be hiding something. Contemporary art makes use of this uncertainty, of the impossibility of grounding aesthetic value judgments and speculates on the guilt of those who do not understand it or who have not realized that there is nothing to understand. Another case of insider trading. In the end, one might also think that these people, who are held in respect by art, really got it since their very bewilderment betrays an intuitive intelligence. They realize that they've been made victims of an abuse of power, that they have been denied access to the rules of the game and manipulated behind their backs. In other words, art has become involved (not only from the financial point of view of the art market, but in the very management of aesthetic values) in the general process of insider trading. Art is not alone : politics, economics, the news all benefit from the same complicity and ironic resignation from their "consumers."

"Our admiration for painting results from a long process of adaptation that has taken place over centuries and for reasons that often have nothing to do with art or the mind. Painting created its receiver. It is basically a conventional relationship" (Gombrowitz to Dubuffet). The only question is : How can such a machine continue to operate in the midst of critical disillusion and commercial frenzy ? And if it does, how long will this conjuring act last ? One hundred, two hundred years ? Will art have the right to a second, interminable existence, like the secret services that, as we know, haven't had any secrets to steal or exchange for some time but who still continue to flourish in the utter superstition of their usefulness, perpetuating their own myth. "

Quelques liens

Whitney Museum.

Bandits-Mages.

CIMAM.

Christina McPhee @ www.christinamcphee.net.

Tom McGlynn @ seeingsaying.blogspot.fr.

Keti Chukrov, "The Socialist Past" (Le passé socialiste) @ monumenttotransformation.org.

Le site Hyperallergic, Sensitive to Art & itis discontents. About.

Tous les articles d'Elisabeth Lebovici publiés dans le journal Libération depuis 1996 jusqu'à 2008.
Son blog Le beau vice : http://le-beau-vice.blogspot.fr/.

Tous les articles de Jean Baudrillard publiés dans le journal Libération depuis 1996 jusqu'à 2006.
La page d'hommage et de recension de liens dédiés à Jean Baudrillard dans criticalsecret, « Tribute to Baudrillard, Jean Baudrillard n'est pas mort ».

Le site coolmemories.fr, de l''association des amis de Jean Baudrillard.

Sur la rue Denoyez à Paris XXe, l'échéance de l'ultimatum de la Mairie de Paris en ce début d'avril a provoqué l'expulsion des artistes qui la faisaient vivre ; une alerte avait été publiée dans Le beau vice. C'est un rappel alarmant de ce qu'il advient de Paris. Il n'est pas inepte de rappeler que l'argument pour la destruction au titre de la création de logements sociaux ne tient pas, pouvant parfaitement s'accommoder de la rénovation des bâtiments sans les raser. Car en réalité il s'agit d'une de ces opération immobilières commerciales défigurant la ville en la privant de ses venelles et de ses passages historiques, pour des immeubles dont seulement une infime partie de leurs appartements sont destinés au logement social.

"Jean Baudrillard was here" Jean Baudrillard était là

Alia Farid, Jean Baudrillard, Criticalsecret editorialist — 2013-09-23T01:15:00Z

____/ Le 6 mars 2007 Jean Baudrillard quittait le monde. Sa mort est partout sa mort rêve.

Jean Baudrillard left the world on March 6 of 2007. His death is everywhere his death dreams.

IMG/mp3/suicide_moi__jean_baudrillard_the_band_of_the_chance_festival_at_whiskey_pete_s_casino_of_stateline_nevada_california_border_1996.mp3

Cliquer sur l'icône Clck the icon

JEAN BAUDRILLARD WAS HERE Phrase written on the face of an abandoned military bunker in Bnaider, Kuwait. 2010, August.

JEAN BAUDRILLARD ÉTAIT ICI Graffiti sur un bunker militaire désaffecté à Bnaier, au Koweït (Installation, août 2010.

Thanks - Rermerciements :
Permission - Courtesy © Alia Farid

Source du portrait en logo : An A to Z of Theory | Jean Baudrillard : The Code, April 27, 2012 ; serial of essays In Theory, Ceasefire.

Voir en ligne : Mohamed Kacimi, Syrie / La guerre en replay

Si vous cliquez sur le bouton audio en haut de l'article, vous entendrez Suicide moi pendant que vous découvrirez la page. Performance de Jean Baudrillard, d'après Motel Suicide — dont il signa les paroles pour Megumi Satsu en 1984 (LP et Vinyl Silicone Lady). Avec un orchestre Punk inédit composé de Tom Watson, Mike Kelley, George Hurley, Lynn Johnston, Dave Muller et Amy Stoll, invitée spéciale la chanteuse Allucquère Rosanne Stone. Chris Kraus, Sylvère Lotringer [éditions Semiotext(e)] étaient les commissaires de cet événement, qui eut lieu au mois de novembre 1996, dans le cadre du Chance Festival au casino de Pete Whiskey à Stateline (lieu dit de la zone frontalière entre le Nevada et la Californie à l'est du lac Tahoe), États-Unis. Vous pouvez télécharger le mp3 de ce document sonore, en cliquant sur l'icône en bas de la page.

Source Erik Diego @ Soundcloud, d'après Ubuweb Sound.

If you click on the audio push-button at the header you will hear « Suicide moi » while discovering the page. Performance by Jean Baudrillard according to Motel Suicide - lyrics that he specially has signed in 1984 for the singer Megumi Satsu (LP + Vinyl "Silicone Lady"). Quote : Unbelievable but true ! Baudrillard recites his poetry backed up by an all star band featuring Tom Watson, Mike Kelley, George Hurley, Lynn Johnston, Dave Muller and Amy Stoll, special guest vocalist Allucquère Rosanne Stone. Recorded live as part of the Chance Festival at Whiskey Pete's Casino in Stateline Nevada, 1996. You've never heard Baudrillard like this before ! Music to read Nietzsche to. . You can download the attached mp3 by clicking the icon at the footer.

Quelques Liens - Some Links


Suicide-moi - Jean Baudrillard @ Whiskey Pete's Casino Stateline - the California/Nevada Border (1996): Source www.eyewithwings.net
Jean Baudrillard Pataphysics

Alan Shapiro, Whiskey Pete's Casino at the California/Nevada Border (2011).

In memoriam

k-punk, ‘My death is everywhere, my death dreams' ; March 09, 2007.

L'article nécrologique publié dans le Nouvel Observateur numérique le soir même de la mort de l'auteur, Le philosophe Jean Baudrillard est mort (6 mars 2007, à 19 h).

La page de Jean Baudrillard dans le site englishscholar.com

Baudrillard in Stanford Encyclopedia of Philosophy

Dans le site de MIT Press, une liste des ouvrages de référence universitaire de Jean Baudrillard traduits en anglais.

La page Welcome to the world of Jean Baudrillard dans le site de l'université d'État de la Californie Northridge.

Tribute to Baudrillard dans le site de Semiotext(e).

Entretien avec Jean Baudrillard (revue Dérive, mai 1977) - Rien ne te soit inconnu, le blog de Guy Darol.

Paradox Funeral, l'enterrement de Jean Baudrillard n'a pas eu lieu - La revue des ressources (2007, 2009).

La page dédiée à Jean Baudrillard dans www.criticalsecret.com est actualisée chaque année depuis 2007 ; loin d'être exhaustive elle présente néanmoins une recension assez large de liens.

Coolmemories - l'association des amis de Jean Baudrillard.

L'événement et l'accident - Event and Accident

Aliette G. Certhoux — 2011-08-01T23:30:00Z

___/ Les hommes ne font pas l'histoire ni ne la construisent comme le pensent Hegel et Marx. C'est pour cela, dit Hannah Arendt, qu'ils peuvent agir. Le paradoxe pour qui veut penser est celui-ci : seuls ceux qui sortent du cours de l'histoire, ouvrent au devenir : l'événement. Il devient de ce fait mémorable c'est à dire en définitive, historique. L'événement et l'accident, envers et revers d'une même médaille, condition de possibilité de l'action, voilà ce qu'il importe de penser.

Men don't make history, neither they construct it like Hegel and Marx think it. It is for that reason, Hannah Arendt says, that they can act. The paradox for the one who wants to think is this one : Only those who get out of the course of history, open to the becoming : the event. It thus becomes memorable but at least, historical. Event and accident, twins elements, condition of possibility of action, this is what is important to think.

Jean-Paul Dollé
www.criticalsecret.com/n10

1. (...), emblématique, (...)
2. (XXe) Qui, tout en étant réel, n'a pas d'efficacité ou de valeur en soi, mais en tant que signe d'autre chose. (...)
3. La symbolique de… : système de symboles relatif à (un domaine déterminé, un peuple, une époque, un système éthique ou politique). (...)

« Symbolique », adj. et nom
Le Nouveau Petit Robert de la Langue Française (édition de 2008)

____

Entour
pouvoir abusif et catastrophes meurtrières

2011, un été écartelé entre le froid du réchauffement, étrange conséquence de l'effet de serre et de la ruine des microclimats par la destruction des micro-géographies, la catastrophe nucléaire locale et mondiale de Fuku, les guerres occidentales en Afrique et en Asie, les révolutions arabes avortées — manipulées ou désarmées, — les pogroms ou les meurtres massifs au nom de la pureté des races en Europe, version terroriste d'une tradition rétrospective que nous aurions pu croire idéologiquement révolue à l'horizon de la fondation européenne et de la mondialisation des droits (alors que ladite tradition s'en trouve renforcée), les ressources dérobées aux populations jouées au casino financier, la déception dépressive et les maladies subséquentes du stress et de la dégradation de l'environnement, la suppression des libertés d'exister, de s'informer et de circuler, le traçage de l'humanité à commencer par la plus oppressive et dominante — au nom de sa sécurité, — mise en fiche dès la naissance. Ne serions-nous pas gnostique, il ne serait plus que de parier sur l'événement et l'accident, au-delà de l'accident et de l'événement, pour retourner autrement la fatalité et le pouvoir du monde (la réversibilité comme transgression).

Cette sinistre année nous avons perdu un ami. Il nous laisse un texte inédit retrouvé dans les archives de criticalsecret.

Détour

Habiter l'écoute est un inédit posthume de Jean-Paul Dollé pour Criticalsecret. Il a été écrit en 2005, juste après la publication de notre second livre d'éditeur [1], l'ouvrage collectif Socialbarbare, où Jean-Paul avait un essai, Servitude volontaire en socialbarbarie.

En décembre 2002, Jean-Paul avait participé au colloque pluridisciplinaire international que nous avions organisé à la Maison européenne de la photographie, « Précarité-Instabilité » [2], dont son portrait à la table des conférences, photographié par André Lozano, fit depuis le tour du web francophone. Aussi, cette photo fut-elle adoptée en icône de l'hommage qui a été rendu au philosophe dans La revue des ressources, aux mois d'avril et de mai derniers [3].

Retour
sur le Symposium

« Précarité-Instabilité » fut un symposium mémorable, qualifié d'émergent par ses intervenants-même à l'issue de la rencontre, en 2002. Toutes les participations si brillantes et novatrices fussent-elles constituaient un don, exceptionnel. Disposition de l'auditorium et de l'équipe de la Maison européenne de la photographie aux frais de cette administration, prise en charge des longs voyages par Air France, hébergement chez l'habitant (ou dans d'autres conditions mais dans ce cas choisies par les participants et sans secours financier possible de notre part). Le travail d'information de criticalsecret et de ses partenaires scientifiques, éditoriaux, et techniques, étaient aussi un don. Notamment l'apport des deux directeurs scientifiques, Jean-Jacques Kupiec pour la biologie moléculaire critique du tout génétique qui administra la partie scientifique [4] , et Henri-Pierre Jeudy pour les sciences humaines qui permit que le symposium fut crédité par le LAIOS [5] dont il était un membre actif, auprès d'un des fondateurs Marc Abélès, lequel accepta également d'intervenir... Seuls les frais du déjeuner quotidien au restaurant de la Maison Internationale de la Jeunesse Européenne, en face du musée, n'étaient pas gratuits (pris en charge par criticalsecret pour les intervenants et leurs amis).

Comme les autres participants Jean-Paul Dollé ne fut pas contraint de me procurer ultérieurement la mise à jour de sa conférence, en vue d'une recension imprimée de la prestation collective, un livre étant prévu. Ce que j'avais volontiers consenti, s'agissant de participations généreuses. En outre, je n'étais pas dupe que les intellectuels a fortiori scientifiques et les artistes et poètes ne pussent produire autant de pensée en développement ni d'idées nouvelles que de commandes extérieures. Les idées quand elles font sens ne sont pas des signes, comme le langage consommable de la communication, elles nécessitent du temps pour se former en se développant. Ayant apprécié l'importance de leur contribution je considérais que le don de leur création prenait naturellement place dans les enjeux de leurs œuvres personnelles respectives, ce qui la restituait en priorité à leur cursus propre. Donc je n'insistai pas ; mais je pus m'en ressentir coupable quelques années après, quand je compris que la défaillance d'une autorité éventuellement abusive, pouvant être admise au moment voulu, avait rendu le livre des actes à jamais remis.

Paradoxalement ce fut une des raisons pour lesquelles cet événement resta d'autant plus mémorable qu'en actes performatifs vivants exclusivement, ce qui constitua un avant et un après à la fois en termes d'événement réel alimentant les citations, imaginaire en termes de mémoire, et de facto symbolique de la rencontre concrète restée par hasard sans reproduction ni interprétation, selon le concept même du symposium qu'à ce titre on pourrait aussi qualifier d'« organique ». Les seules traces étant les abstracts qui nous avaient été envoyés auparavant, et quelques documents sonores enregistrés sur le vif, furent mis en ligne en temps réel des actes dans le site qui aujourd'hui encore présente l'index des participations et de leurs protagonistes. Où Lozano mit au point une version béta de son logz, quand criticalsecret apporta la contrepartie des risques liés à l'expérimentation publique (ce que nous avons toujours fait pour chacun, de même que nos intervenants ont pu y engager leur propre réputation en nous faisant confiance, et aussi en donnant de notre inspiration et de nos forces à d'autres services que les nôtres), alors que ce nouveau format de blog n'était pas encore considéré comme suffisamment développé, éprouvé, ni sécurisé, parmi la communauté du logiciel libre (qui l'intégra plus tard). C'est à notre demande que Loz éprouva ensuite la possibilité du podcast dans sa machine évolutive qui s'en révéla particulièrement efficace et originale, en contribuant au nouveau format de revue multimédia en séries thématiques telle que David Christoffel l'avait imaginée possible sous cette forme alors expérimentale, et nous avait convaincus de l'entreprendre, rythmée par le calendrier de diffusion progressif, dès la mise en ligne de notre premier podcast vidéo — éditorial, — inaugural sur le plan international : « Podcastoamême Fireworks », entrepris au commencement de l'automne et paru au début de l'hiver à la fin de l'année 2005.

Une autre raison du concours des circonstances pour que le livre n'ait pas lieu fut aléatoire mais technique. L'enregistrement vidéo du déroulement des interventions, prévu à l'origine de nos échanges avec la MEP, que nous devions ensuite décrypter et convertir en Flash pour le mettre en ligne, fut omis faute du matériel promis par notre hôte, subtilisé à l'opérateur de l'auditorium à des fins internes, par un supérieur hiérarchique (il y en avait au moins deux qui n'avaient rien à voir avec le directeur général qui nous avait aimablement autorisés), à la dernière minute ; quant à nous, n'ayant été prévenus qu'à la fin de l'événement nous fûmes dépourvus de pouvoir trouver une solution de remplacement. Ce symposium restera donc un événement vivant au sens propre, brillant mais éphémère dans la pure tradition de Fluxus, auquel nous n'avions nullement pensé référer alors, et n'aura connu aucun affadissement par une quelconque retranscription visant à sa reproduction ultérieure pour l'exploiter — ce fut aussi le juste message que me transmit plus tard Jean Baudrillard, un jour où nous évoquions ensemble cette situation.

En fait, je m'étais sentie à tort coupable. Après l'expérience d'un colloque institutionnel sur l'architecte canadien iconique Peter Collins, où les intervenants comptaient parmi eux quelques intervenants prestigieux, historiens et les théoriciens de l'architecture, auquel il me fut donné d'assister à Montréal, à la fin des années 90, j'ai pu apprécier le temps imparti entre l'événement et la publication des actes, le recueil n'étant apparu qu'une dizaine d'années plus tard, c'est à dire il y a trois ans, et dans lequel finalement un ou deux textes restèrent à manquer. J'ai compris que dans notre cas ce n'était pas davantage la gratuité de la participation qui avait entraîné la difficulté de rassembler les contributions publiables après les interventions vivantes. Les prestataires souhaitent toujours corriger et adapter la première version qu'ils avaient transmise au moment de la préparation de l'événement, mais le temps de travail à trouver dans l'enchaînement des tâches ordinaires des intellectuels, concernant un défi public déjà résolu (derrière eux), sinon à devoir l'exploiter professionnellement dans un format académique, écarte de l'objectif commun de l'événement passé, et installe peu à peu l'impossibilité de la réflexion rétrospective sur l'environnement cognitif dans lequel l'intervention avait sa place stratégique, sinon comme une régression individuelle a posteriori. Dans notre situation le temps n'aurait rien pu arranger, puisque certains intervenants et pas des moindres sont morts, notamment avant Jean-Paul cette année, Jean Baudrillard en 2008, dont l'engagement nous avait crédité auprès des intervenants étrangers, bien qu'il s'exposât à la critique publique par certains conférenciers qui pouvaient le combattre fut-ce dans notre cadre, et lui-même prenant le risque de faire violence à notre amitié et à nos convictions dans sa propre critique de nos croyances résiduelles à propos du numérique, devant le même public.

À bientôt dix ans de ce symposium je ne pense pas que quiconque y ayant participé puisse nier qu'il demeure encore inépuisé, et que son principe fut prédictif de la pensée et des sciences référencés par les intervenants, jusque dans les développements intégrés en pleine actualité. C'est-à-dire qu'il continue à faire partie de l'environnement cognitif, et même « transgressif » des convenances. Ce n'est pas pédant de faire remarquer que l'un des portraits les plus reproduits de Dollé sur le web, comme celui choisi par MBK (ou par quelqu'un d'autre) pour illustrer son blog où il annonce son changement philosophique, dans l'environnement des événements révolutionnaires révélés contre la violence du régime tunisien [6], soient justement — et ne serait-ce pas pour cette raison le symbole joue de toutes façons aux yeux de qui le sait — extraits du logz du symposium de 2002.

C'est-à-dire : nous poursuivons mais nous poursuivons dans le rythme de notre réflexion et de nos désirs, la pensée et la joie d'inventer n'ont pas de challenge sinon celui de parvenir à se déployer, dans un monde global de l'abstraction de la valeur qui n'a pas le temps. A fortiori quand il s'agit d'un nuage cognitif en développement qui se constitue de plusieurs pensées, comme les tranches de vie singulières ou à plusieurs qui les accomplissent inséparablement en événements, au rythme de leurs continuités ou de leurs accidents. C'est ainsi que nous nous plaisons à imaginer notre situation active socialement parlant. Livres, opus numériques, et même ce blog en SPIP seront, mais plutôt plus rarement qu'ailleurs, que plus souvent... Les grands langages multimédia et les outils du web sont maintenant inventés, il n'y a plus à les expérimenter dans les derniers effets spectaculaires démonstratifs que la modernité pouvait justifier, attendons maintenant la généralisation éventuelle du HTML5 et que peu à peu tous les logiciels propriétaires devenus vectoraux perdent leur domination. Qui nous a assez aimés assez pour nous accorder la confiance de suivre notre anachronisme éditorial entre tradition de la culture et innovation dans la nouveauté des nouveaux codes, nous aime encore assez pour le faire en dehors de la nouveauté, sans pour autant attendre la reproduction d'une quelconque tradition sinon celle que nous fassions désordre parmi le web productif et parmi l'édition. Merci de nous avoir attendus et de poursuivre d'écouter le moment de nos mouvements.

Tour
prédictif imprévisiblement tordu

Nous savons que venir au monde c'est finalement mourir, c'est prédictif ; mais les conditions de notre disparition sont la plupart du temps imprévisibles. Imprévisiblement, en février de cette triste année 2011 du monde contemporain, Jean-Paul Dollé nous a quittés pour longtemps, au moment où il avait pu penser comme nous que la révolution arabe allait redonner de l'énergie critique aux populations européennes pour elles-mêmes (ce ne fut pas le cas jusqu'ici). La dernière fois que nous nous étions vus c'était l'été dernier, le 27 juillet, à l'occasion d'un anniversaire privé entre amis. Puis nous avions quitté Paris. A la rentrée, chacun de nous était trop préoccupé par la reprise de ses propres affaires plutôt que prévoir d'immédiates retrouvailles ou dîners, mais nous nous étions parlé au téléphone, d'autant plus que nous tenions devant nous un projet commun.

L'écoute justement au centre des perceptions suggestives de l'intellect, à propos desquelles Jean-Paul se livre à un développement dans son essai inédit sur l'« habité de l'écoute », l'intégration de l'audible et du visible par l'écriture dont il accomplit la traduction en lui lors d'une lecture publique d'extraits de deux livres de Paul Virilio, à laquelle il assiste et dont il retranscrit l'expérience, sont peut-être la raison pour laquelle il me l'a confié, alors que je ne pensais pas le lui avoir demandé. Un cadeau. C'était toute la quête critique du franchissement des catégories à laquelle criticalsecret conviait. Il me faisait donc un véritable don.

Habiter l'écoute n'est peut-être pas un des meilleurs discours de Jean-Paul (je ne sais pas, il faut que chacun en fasse sa propre lecture ; en tous cas jamais dans criticalsecret la question de publier ne fut posée pour aucune des contributions qui nous furent faites venant ou non d'amis, si ce n'est que parfois elles durent attendre), et c'est de lui — bien de lui.

Nous abordons ce jour le terme de notre dernière rencontre avec Jean-Paul, l'été dernier plus clément que celui-ci — peut-être parce qu'il n'est plus parmi nous pour se réjouir du soleil, alors le temps reste maussade. Le 27 juillet nous publierons Habiter l'écoute, sans attendre l'occasion d'une publication collective, car c'est en premier lieu l'inauguration de www.criticalsecret.net en blog de www.criticalsecret.com, qui lui restera dédié.

Le 27 juillet, jour anniversaire festif, intensément convivial et solidaire, parmi nous et par lequel Jean Baudrillard, dont c'était aussi l'anniversaire, nous reste proche au-delà de sa disparition. Lui qui m'inspira le concept de criticalsecret, autour d'une Carte blanche que lui avait proposée en 1996 François Barré, pour le CNAC Pompidou, et qu'il avait consacrée à des invitations hebdomadaires sur « la masse critique », où des astro-physiciens intervinrent. Je voyais une métamorphose du politique dans les rebondissements aléatoires et la capacité de les appréhender, et peut-être même d'en déceler les avants-signe dans les langages de la communication. Dès lors je me disais qu'il n'y avait plus de dogme mais sans jeter les exigences de la méthode critique, retrouver la subtilité d'intervenir à la périphérie des circonstances. « Gambit des étoiles » même pas papillon... Métamorphoses du militant en poussière d'étoiles égal à l'environnement révolutionnaire — cosmique. Justement, comme Jean-Paul Dollé et lui ne partageaient pas de cercle amical, et Jean-Paul pariant encore sur le sujet existentiel, en ce temps contrariant de l'objet comme objet propre de la pensée, (mais pas dans son dernier ouvrage où le démantèlement de la cité et de la culture paraissent avoir raison de tout), ce fut bien une des singularités de criticalsecret que d'avoir pu réunir autrement et ailleurs leur différence, (et qu'elle resta ensuite solidaire en d'autres lieux contre la tourmente dévastatrice des attaques contre l'autonomie de Baudrillard), à la MEP et dans la diversité contradictoire de www.criticalsecret.com.

Jean-Paul Dollé. Hommage à son amitié éclairée, au souvenir de son exubérance magnifique, à la correspondance silencieuse de son attention philosophique à la création des autres.

À Paris, le 26 juillet 2011

Aliette G. Certhoux

[1] Il s'agit de l'opus imprimé de la revue numérique www.criticalsecret.com/n2 (2000-2005), accru des Cahiers du journalisme de création sur la disparition de Jim Morrison (minutes d'une émission de France-Culture). Le premier des ouvrages d'éditeur de criticalsecret est l'opus 1 Actualité du vampire (1999-2004), accru du premier des Cahiers du journalisme de création sur la disparition de Jean Seberg (minutes d'une émission de France-Culture). Ces deux livres au catalogue de Electre sont toujours disponibles et accessibles sur amazon.fr et sur fnac.fr (liens mènant à l'index des ouvrages de criticalsecret disponibles sur ces sites vendeurs).

[2] Le titre de la contribution : Les urbanités intempestives : le politique comme évènement / Urbanity inopportune : politics as an evenemential, Jean-Paul Dollé, symposium pluridisciplinaire de criticalsecret « Précarité-Instabilité », Paris, décembre 2002.

[3] L'Hommage à Jean-Paul Dollé @ La revue des ressources comprend 14 items qui recensent des hommages inédits, des hommages cités, et des extraits intégraux de quatre de ses ouvrages, autorisés par les ayants-droit.

[4] Le biologiste et épistémologue Jean-Jacques Kupiec est un chercheur reconnu dans la communauté scientifique internationale entre autre pour l'invention du concept opératoire de l'« ontophylogenèse ».

[5] LAIOS : Laboratoire d'Anthropologie des Institutions et des Organisations Sociales, au sein du CNRS, en partenariat avec L'Ecole des Hautes Études en Sciences Sociales.

[6] Voir ce blog de Mehdi Belhaj Kacem le 1er février 2011 dans La règle du jeu (revue crée en 1990 par Bernard-Henri Lévy associée à sa collection de philosophie chez Grasset), A. B. ou B. A. ? à propos de son prochain livre chez Grasset, Après Badiou, à paraître contre son maître et dont il prévient un mois avant (tant il peut craindre l'effet du choc parmi ses amis et amateurs).

Les liens des articles associés à l'éditorial sont recensés au clic du mot clé du mois et de l'année de parution de l'éditorial ; soit dans ce cas : Juillet / août 2011.

Le sommaire :
Habiter l'écoute - Inhabiting the listening, Jean-Paul Dollé
Haut Modernisme et Basse théorie - Fron High Modernisme to Low Theory, McKenzie Wark, (traduction criticalsecret).